Aula de Cine

TDFFilm: Epicentro Design

2011-10-11T18:55:00.005+01:00

El séptimo arte tiene su espacio dentro del universo TDF. Este año, con el lema “Epicentro Design” y con estética de “2001: A Space Odyssey”, presentamos nuestra particular selección espacial:

Viernes:

19:00 Star Trek, la película

AÑO: 1979
DURACIÓN:132 min.
DIRECTOR: Robert Wise.
REPARTO: William Shatner, Leonard Nimoy, DeForest Kelly, James Doohan, George Takei, Stephen Collins, Nichelle Nichols, Majel Barrett, Walter Koening
SINOPSIS: Siglo XXIII. Al almirante James T. Kirk, de la nave Enterprise, se le encomienda una difícil misión: neutralizar un extraño cuerpo para evitar su colisión con la Tierra y la consiguiente catástrofe. El oficial Spock, el capitán Willard Decker, la asesora Ilia y el doctor McCoy ayudan al almirante a descubrir la naturaleza de este cuerpo sideral, provisto de un mecanismo de inteligencia de origen terrestre. La expedición del Enterprise localiza al ente y, entonces, se apresta a introducirse en su centro de operaciones. Primera entrega cinematográfica de la popular serie fantástica creada por Gene Roddenberry

21:30 Flash Gordon

AÑO: 1980
DURACIÓN:110 min.
DIRECTOR: Mike Hodges.
REPARTO: Sam J. Jones, Melody Anderson, Topol, Max von Sydow, Timothy Dalton, Ornella Muti, Richard O’Brien, Philip Stone, Brian Blessed, Peter Wyngarde, John Osborne, Mariangela Melato
SINOPSIS: El doctor Zarkov, un científico expulsado de la NASA, viaja en un cohete espacial, junto al joven jugador de rugby Flash Gordon y su amiga Dale Arden. Los tres intentarán salvar al planeta de la amenaza de Ming, el emperador del lejano reino Mongo, que ha lanzado una de sus lunas para que choque contra la Tierra

Sábado:

19:00 2001, una odisea del espacio

AÑO: 1968
DURACIÓN: 139 min.
DIRECTOR: Stanley Kubrick
REPARTO: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Douglas Rain (HAL 9000 voice), Laonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Penny Brahms, Alan Gilfford, Vivian Kubrick
SINOPSIS: La película de ciencia-ficción por excelencia de la historia del cine narra los diversos periodos de la historia de la humanidad no sólo del pasado, sino también del futuro. Hace millones de años, antes de la aparición del “homo sapiens”, unos primates descubren un monolito que los conduce a un estadio de inteligencia superior. Millones de años después, otro monolito, enterrado en una luna, despierta el interés de los científicos. Por último, durante una misión de la NASA, HAL 9000, una máquina dotada de inteligencia artificial, se encarga de controlar todos los sistemas de una nave espacial tripulada

21:30 Barbarella

AÑO: 1967
DURACIÓN: 98 min.
DIRECTOR: Roger Vadim
REPARTO: Jane Fonda, John Phillip Law, Marcel Marceau, David Hemmings, Ugo Tognazzi, Anita Pallenberg, Milo O’Shea, Claude Dauphin
SINOPSIS: Año 40.000. Planeta Lythion. La intrépida Barbarella aterriza en un misterioso planeta donde vivirá toda clase de aventuras, peligros y placeres. Obra de culto del género fantástico de serie B que ha envejecido bastante mal.

Domingo:

19:00 Dune

AÑO: 1984
DURACIÓN: 145 min.
DIRECTOR: David Lynch
REPARTO: Kyle MacLachlan, Sting, Francesca Annis, Jürgen Prochnow, Brad Dourif, José Ferrer, Kenneth McMillan, Linda Hunt, Max von Sydow, Silvana Mangano, Freddie Jones, Dean Stockwell, Sean Young, Virginia Madsen, Jack Nance
SINOPSIS: Por orden imperial la familia Atreides deberá hacerse cargo de la explotacion del desértico planeta de Arrakis, conocido también como “Dune”, el único planeta donde se encuentra la especia, una potente droga que, además, es necesaria para los vuelos espaciales. Anteriormente el planeta había sido gobernado por los Harkonen, que han ejercido su mandato con puño de hierro, dejando una huella indeleble en la población indígena del planeta. Cuando los Harkonen atacan el planeta con el beneplácito del Emperador para retomar su posición dominante sobre el planeta, Paul, el hijo del duque Leto Atreides, deberá huir al desierto, donde le esperan múltiples peligros, y una última oportunidad de vengarse y volver a su legítimo lugar como gobernante de Arrakis.

21:30 Moon

AÑO: 2009
DURACIÓN: 97 min.
DIRECTOR: Duncan Jones
REPARTO: Sam Rockwell, Kaya Scodelario, Matt Berry, Malcolm Stewart, Benedict Wong, Dominique McElligott, Robin Chalk, Kevin Spacey
SINOPSIS: Un futuro no muy lejano. Un astronauta (Sam Rockwell) vive aislado durante tres años en una excavación minera de la Luna. Cuando su contrato está a punto de expirar, descubre un terrible secreto que le concierne.

Podéis encontrar más información aquí.

Shutter Island (Martin Scorsese)

2011-06-21T22:36:00.002+01:00

FICHA TÉCNICA:

Título original: Shutter Island
Título en España: Shutter Island
País: E.E.U.U
Duración: 138 minutos
Género: Intriga / Drama psicológico
Director: Martin Scorsese
Guión: Laeta Kalogridis (a partir de la novela de Dennis Lehane)
Fotografía: Robert Richardson
Producción: Paramount Pictures / Phoenix Pictures / Sikelia Productions / Appian Way
Reparto: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Patricia Clarkson, Max von Sydow, Christopher Denham, Ted Levine, Jackie Earle Haley, Elias Koteas, John Carroll Lynch

¿ES PREFERIBLE VIVIR COMO UN MONSTRUO O MORIR COMO UN HOMBRE BUENO?

En 1954, el agente de policía y antiguo veterano de guerra Teddy Daniels (interpretado por Leonardo DiCaprio) es designado por sus superiores para investigar la desaparición de una reclusa en el hospital psiquiátrico de Ashecliffe, un complejo penintenciario situado en una enigmática isla apartada del continente. Para llevar a cabo su misión, Daniels cuenta con la ayuda de su asistente, el leal Chuck Aule (interpretado por Mark Ruffalo). Nada más llegar a Ashecliffe, ambos investigadores descubren que la isla tiene muchos secretos que ocultar y que las cosas no son, desde luego, lo que parecen ser.

Durante el transcurso del caso, Daniels tendrá que vérselas no sólo con los obstáculos que les ponen los responsables del centro, sino también con sus demonios internos. Los terribles recuerdos que guarda de la muerte de su mujer y su experiencia en los campos de exterminio nazis sólo serán una muestra más de los espantosos tormentos a los que nuestro detective tendrá que hacer frente. La personalidad amargada de Daniels encajará a la perfección con el opresivo ambiente que se respira en Ashecliffe. ¿Es posible que Daniels haya encontrado por fin un caso a su altura?

Martin Scorsese, director de clásicos como Taxi Driver, Gangs of New York o La edad de la inocencia regresa por la puerta grande con una película que está llamada a convertirse en un referente del género. Scorsese logra sobrecoger al espectador con la terrorífica y ¿apacible? atmósfera de Ashecliffe, así como obligar a éste a acompañar a los protagonistas de la cinta a un viaje hacia la desesperación y la locura.

La película, basada en la novela homónima de Dennis Lehane, consigue atraparnos a lo largo de sus dos horas de duración gracias al trabajo de unos más que convincentes actores (después de varios exitosos trabajos, DiCaprio se consagró definitivamente como uno de los mejores actores de nuestra generación), una fabulosa banda sonora que incluye algunas partituras clásicas y una fotografía que nos traslada a esos tenebrosos años que siguieron a la Segunda Guerra Mundial. Shutter Island no sólo fue una de las películas más taquilleras del pasado 2010, sino también un clásico del cine contemporéno. Su inclusión en nuestro ciclo era, por lo tanto, una tarea más que obligatoria.

Watchmen (Zack Snyder)

2011-06-20T23:19:00.008+01:00

FICHA TÉCNICA:

TÍTULO: Watchem
AÑO: 2009
DURACIÓN: 163 min.
PAÍS: E.E.U.U.
DIRECTOR: Zack Snyder
GUIÓN: Alex Tse, David Hayter (Novela gráfica: Alan Moore, Dave Gibbons)
MÚSICA: Tyler Bates
FOTOGRAFÍA: Larry Fong

Sinopsis.-

Estados Unidos, años 80. La Guerra Fría está en su apogeo y los superherores o “vigilantes” (watchmen) que antiguamente eran adorados por su lucha contra el crimen ahora son perseguidos por la ley. Muchos ya han colgado el antifaz o se han adaptado a los nuevos tiempos trabajando para el gobierno. En esos días turbulentos aparece muerto “El Comediante”, que trabajaba para la C.I.A. pero nadie parece darle demasiada importancia. Roscharch, el único vigilante enmascarado que aún queda en activo, emprende una investigación sobre el asesinato, convencido de que un plan más grande y oscuro se cierne sobre el horizonte.

Crítica.-

Watchmen es la esperadísima adaptación de la homónima novela gráfica del aclamado Alan Moore, autor de obras de reconocido prestigio como “From Hell”, “La liga de los caballeros extraordinarios” o la mítica “V de Vendetta”, todas ellas llevadas al cine. Alan Moore no es un historietista al uso, se caracteriza por su aspecto y sus costumbres tan excéntricas como las de alguno de sus personajes, y por una personalidad arrolladora que se manifiesta en sus historias, siempre sembradas de una enorme carga social, política y humana. Alan Moore ha sido capaz de diseccionar la realidad de su mundo donde otros sólo soñaban con otros. Él ha sido co-creador de una nueva era en el mundo del comic, afrontando las circunstancias de su tiempo con historias universales. Watchmen es un claro ejemplo de ello. Cuando los personajes de esta historia llegaron a sus manos, Alan Moore los dotó de un nuevo nivel de profundidad psicológica, haciéndolos no sólo hitos de la historia sino también víctimas de ella. Los superhéroes de Alan Moore,viven en una mundo frío y deshumanizado, como si de pronto se hubieran despertado de su sueño de fama y heroísmo con un baño de agua helada, dándose cuenta de que el poder que ostentaban era sólo un espejismo infantil en el escenario de un burdel de mala muerte. Los vigilantes (watchmen) se enfrentan a un mundo que les odia, que les escupe a la cara, que les recrimina por haber hecho lo que ellos creían honrado. Ya no hay sitio para los antifaces ni para las inútiles capas que se enganchan en las puertas. Cualquiera que no sea capaz de ver que el mundo no los necesita es un loco. Por suerte para todos nosotros aún quedan algunos de esos locos.

Watchmen es una historia sobre la dignidad humana, sobre la voluntad de los hombres de enfrentarse al mundo que los rodea en pro de una causa justa y sobre cómo, en ocasiones, esos ideales chocan irremisiblemente contra el muro cde la realidad.

Este film, por su parte, es una adaptación espectacular, cargada de brillantes efectos especiales y una banda sonora magnífica, acompañada de grandes clásicos como Bob Dylan, Billie Holiday o Jimi Hendrix. Es sin duda todo un deleite para la vista y los oídos. Pero a pesar de eso no es una de esas películas donde el guión permanece a la sombra de las explosiones y de los actores macizos, sino que es puro argumento envestido de traje de luces. Esto se debe, sin duda a que, a pesar de lo que algunos opinen, ésta es una de las adaptaciones más fieles que se hayan visto sobre una obra de cómic, género que es ahora cuando se está empezando a tomar en serio.

El cine americano está volviendo la vista hacia los viejos tebeos y comics apolillados en un armario como la capa de Buho Nocturno, y está descubriendo que hay un filón de oro que apenas se ha empezado a explotar. Muestra de ello es la enorme cantidad de películas basadas en comics que están saliendo actualmente a la gran pantalla: X-Men, Batman, Superman, Spiderman, Thor… o incluso aquellas en que se basan en la experiencia de su lectura, como Kickass y que arrasan las taquillas en cuanto salen al mercado. La cuestión es que si son taquillazos… por algo será. Así que acomodémonos en los asientos y pongámonos serios: ¡Vamos a divertirrnos!

Idafe M. Hernández Plata.

Malditos bastardos (Quentin Tarantino)

2011-06-19T18:24:00.008+01:00

FICHA TÉCNICA:

Título original: Inglorious Basterds
Título en España: Malditos Bastardos
País: E.E.U.U
Duración: 153 min.
Género: Bélico / Comedia
Director: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Fotografía: Robert Richardson
Producción: Coproducción USA-Alemania; Universal Pictures / The Weinstein Company / Lawrence Bender Productions / Neunte Babelsberg Film
Reparto: Brad Pitt, Diane Kruger, Cristoph Waltz, Daniel Brühl, Eli Roth, Michael Fassbender, Samm Levine, B.J. Novak, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Paul Rust, Michael Bacall, Omar Doom, Sylvester Grtoh, Julie Dreyfus, Jacky Ido, August Diehl, Martin Wuttke, Richard Sammel, Christian Berkel, Sönke Möhring, Mike Myers, Roda Taylor, Denis Menochet, Enzo G. Castellari

“ME LLAMO SHOSSANA DREYFUSS Y ÉSTA ES LA CARA DE LA VENGANZA JUDÍA”

Durante la ocupación de Francia por los alemanes, Shossana Dreyfuss contempla la ejecución de su familia por orden del coronel nazi Hans Landa, tras lo cual la joven huye a París donde toma una identidad como dueña de un cine. Mientras en otro lugar de Europa el teniente Aldo Raine adiestra a un grupo de soldados judíos, que junto con la ayuda de una actriz alemana que trabaja para los aliados pretenden acabar con los grandes jefes del Tercer Reich. La casualidad hace que todo eso se lleve a cabo en el cine de la joven Shossana donde ella espera su propia venganza.

Malditos Bastardos es la obra de Quentin Tarantino más vista y más duramente criticada por los expertos de toda su carrera. Los motivos se deben sobre todo a mostrar una historia muy irreal de la Segunda Guerra Mundial, a la representación caricaturesca de Hitler, por su presentación e escenas al estilo más puro spaghetti western y por haber “nazificado" a soldados estadounidenses judíos en busca de venganza. Pero por otro lado también están los que opinan que Malditos Bastardos es sin duda la obra maestra de su director gracias a sus grandes escenas de tensión, sus magnífi cos diálogos y la buena interpretación de sus actores.

A pesar de esas duras críticas la película fue nominada en ocho categorías de los Oscar del 2010 y en cuatro de los Globos de Oro del mismo año, ganando en ambos premios la categoría de mejor actor de reparto por Christhop Waltz gracias a su magistral interpretación del coronel nazi Hans Landa. Así que en resumen Malditos Bastardos es a fin de cuentas una película que no deja indiferente a nadie.

Tamara B.F

Ciclo de Taquillazos -Taquilla Caliente-

2011-06-08T20:59:00.002+01:00

EL AULA DE CINE DE LA UNIVERSIDAD DE LA LAGUNA PRESENTA...

Del 20 al 22 de junio de 2011, a partir de las 19:00 horas, en el Salón de Actos de la Facultad de Educación de la Universidad de La Laguna

PROGRAMACIÓN

Lunes 20 de junio

Malditos bastardos, de Quentin Tarantino

Martes 21 de junio

Watchmen, de Zack Snyder

Miércoles 22 de junio

Shutter Island, de Martin Scorsese

MiradasDoc va a la Universidad

2011-06-02T12:42:00.005+01:00

El salón de actos de la Facultad de Educación (Magisterio) de la Universidad de La Laguna (ULL), en el número 37 de la calle Heraclio Sánchez, acogerá a partir de las 20:30 horas del jueves y del viernes próximos, 2 y 3 de junio respectivamente, dos sesiones de cine, donde se proyectarán en cada una de ellas un largometraje y un cortometraje documental, los cuales fueron premiados en la última edición del Festival Internacional de Cine Documental MiradasDoc, evento que organiza desde hace ya cinco años el Ayuntamiento de Guía de Isora, municipio del suroeste de Tenerife.

Según explica el director de MiradasDoc, Alejandro Krawietz “cumplimos así una antigua aspiración de todo el equipo” al encontrar un espacio en la Universidad de La Laguna para mostrar lo mejor de su última edición y añade que “el cine documental con el que estamos trabajando interesa evidentemente a todos los públicos, y cada nueva edición del festival es prueba de ello”. Krawietz apunta que “no es menos cierto que las temáticas que se abordan y los modos cinematográficos que se emplean lo convierten en un acontecimiento que debería tener a los universitarios como público muy interesado”. Partiendo de esa premisa, MiradasDoc y el Vicerrectorado de la ULL, en colaboración con el Ayuntamiento de Guía de Isora, han diseñado expresamente una muestra de películas de entre las que resultaron premiadas en la V Edición del Festival.

En la primera jornada, el jueves 2 de junio, se proyectará una de las más polémicas y premiadas películas australianas de los últimos años, Contact de los directores Bentley Dean y Martin Butler. Esta película fue la ganadora del premio más importante, el de Mejor Largometraje Internacional, en la pasada edición de MiradasDoc. A Contact le seguirá el cortometraje Olhem de Eliane Besson, un documental mozambiqueño que revela el lado más sorprendente de la sociedad de aquel país de la mano de los discapacitados.

En la segunda sesión, la del viernes 3 de junio, será el turno del cortometraje cubano El mundo de Raúl de Jessica Rodríguez y Zoe Valdés, ganadora de una mención especial del jurado de Corto Internacional. Esta película es la que acompaña a la ganadora del Premio del Públicoen la pasada edición de MiradasDoc, el largometraje español de Jordi Ferrer y Pablo Vidal. El problema, crónica del pueblo saharaui, que fue motivo de interesantes y animadas discusiones después de su proyección en Guía de Isora.

Se trata de una buena oportunidad de ver gran cine, el más desconocido, de atender a la complejidad y a la apasionante realidad del mundo, y de conocer en profundidad uno de los certámenes con más proyección de cuantos se están realizando en nuestro país en la actualidad.

JORNADA I:

Jueves 2 de junio 2011, 20:30 h.

Salón de actos de la Facultad de Educación de la ULL (Magisterio)

1) OLHEM

Duración: 15 minutos | Año de producción: 2009 | País: Mozambique

Dirección, producción, guión, fotografía y edición: Eliane Beeson. | Sonido: François Vaxelaire.

Sinopsis: Lucas e Isaura son ciegos. Trabajan y viven en Maputo, y tienen las mismas aspiraciones que el resto de la población.

ELIANE BEESON. Me gradué con un Máster en Relaciones Internacionales y soy una apasionada de la fotografía y el vídeo. Después de haber trabajado como coordinadora de un proyecto cultural en la Embajada brasileña en Bruselas, empecé a trabajar como fotógrafa documental “freelance” en el 2008. El mismo año, empecé a hacer películas. Mi primer trabajo en fotografía y vídeo fue con Médicos sin Fronteras (MSF) en Burma. Desde entonces, he tenido proyectos con organizaciones locales en países en desarrollo, pero también con ONGs y organizaciones de Naciones Unidas. Estoy muy interesada en crear un diálogo con la gente que vive al margen de la sociedad.

2) CONTACT / CONTACTO

Duración: 78 minutos | Año de producción: 2009 | País: Australia

Dirección, producción y guión: Bentley Dean y Martin Butler. | Sonido: Martin Butler.

Edición: Tania Nehme. | Fotografía: Bentley Dean. | Música original: Antony Partos

Sinopsis: En 1964, Yuwali tenía diecisiete años cuando se filmó su primer contacto con los “whitefellas” (hombres blancos). Con sesenta y dos años ahora cuenta la historia tras estas imágenes extraordinarias. Su grupo de veinte eran los últimos aborígenes sin conocimiento de la Australia moderna. Se iba a llevar a cabo la prueba de un cohete en su casa en el Gran Desierto Arenoso. Se enviaron policías para evacuar a todos los que vivían allí. Yuwali nos da cuenta de forma fascinante de la forma en que ella y su grupo son perseguidos por el desierto intentando escapar de los “hombres diablos” en las “rocas que se mueven” (camiones).

BENTLEY DEAN Y MARTIN BUTLER. Independientemente de que Bentley Dean y Martin Butler han hecho películas premiadas en todo el mundo sobre temas que van desde el golpe de estado en Venezuela (Anatomy of a Coup), investigaciones ambientales (Antarctica), La Bahía de Guantánamo (The President Versus David Hicks) y Abu Ghraib (The Abu Ghraib Photos), la crisis de los rehenes en Lima (The Siege), al retrato de Nelson Mandela (Mandela), Contact es su primera película juntos.

JORNADA II:

Viernes 3 de junio 2011, 20:30 h.

Salón de actos de la Facultad de Educación de la ULL (Magisterio)

1) El MUNDO DE RAÚL

Duración: 20 minutos | Año de producción: 2010 | País: Cuba

Dirección y guión: Jessica Rodríguez y Zoe Miranda. | Producción: Ivonne Cotorruelo.

Sonido: Juan Carlos Herrera y Raymel Casamayor. | Edición: Susana Ortega, Ricardo del Prado y Marcel Beltrán. | Fotografía: Yanay Arauz.

Sinopsis: Raúl es un hombre ejemplar, podría decirse que encarna apaciblemente el modelo de Hombre Nuevo propuesto por nuestra sociedad. Detrás del trabajador ejemplar e hijo amoroso se esconde un secreto.

JESSICA RODRÍGUEZ estudio Dirección de Radio, Cine y TV en el Instituto Superior de Arte de Cuba. Escribió el guión del largometraje Espejuelos oscuros, merecedor de varios premios nacionales e internacionales. Sus documentales Mariscal en Cuba y Tacones cercanos recibieron también numerosos reconocimientos, este último fue seleccionado por la Asociación Cubana de la Crítica entre los mejores documentales exhibidos en Cuba en el 2009.

ZOE MIRANDA estudió Fotografía en la Facultad de Medios de Comunicación Audiovisual del Instituto Superior de Arte. Realizó el documental Todo tiempo pasado fue mejor con el que obtuvo mención del jurado en la Muestra Cubana de Jóvenes Realizadores 2009.

2) EL PROBLEMA, TESTIMONIO DEL PUEBLO SAHARAUI

Duración: 82 minutos | Año de producción: 2009 | País: España

Sinopsis: Marruecos no quiere que se conozca la situación de los territorios ocupados del Sáhara Occidental. Los saharauis viven en constante amenaza, no pueden nombrar las palabras “Sáhara Occidental” o “referéndum” y la situación se resume como “el problema”. Cualquier expresión de identidad saharaui está totalmente prohibida. Marruecos quiere silenciar los territorios ocupados del Sáhara Occidental y con ello ahogar la voz de todo un pueblo. Hablamos de la última colonia de África.

JORDI FERRER. Estudia Fotografía en el Instituto de Estudios Fotográficos de Cataluña. Licenciado en Cine Documental en la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña, ESCAC y el Curso de Edición Avid en el CEV School. Catedrático en el CEV de Barcelona desde el 2003. Realizó varios trabajos para Canal Plus, y para TVE.

PABLO VIDAL. Realiza en la Escuela CEV cursos de vídeo, post-producción y reportero gráfico. Se incorpora como ayudante de profesor en el curso de vídeo (2005). Desde 2004, ha llevado a cabo informes para ONGs y otras asociaciones además de colaboraciones en Localia TV, TV2, TV3 y diferentes trabajos para productores.

Página Web de MiradasDoc.

Diario de la Muestra de Cortos (Epílogo)

2011-05-19T18:32:00.001+01:00

Pues hasta aquí llegamos. Dos semanas después de haber concluido la Muestra, nos hemos acercado a la tele para hablar un poco de la experiencia que supuso organizar todo esto. Con algo de miedo encima por aquello del pánico escénico, nos hemos enfrentado a las cámaras y el resultado es que el que sigue:

El Aula de Cine en Objetivo en Corto

¡El año que viene más pero no mejor, porque es imposible! :-)

Diario de la Muestra de Cortos (Toma 4)

2011-05-06T03:05:00.001+01:00

Pues ya está. Mañana le echaremos el cierre al chiringuito. Verdaderamente, han sido cuatro días apasionantes. ¡Y pensamos despedirnos por todo lo alto! Pero antes de pasar a desmenuzar la programación del viernes, pasemos revista a lo más destacado de hoy.

Como os hemos venido comentando durante estos días, hemos tenido la suerte de contar con la directora Cristina Sánchez Botella, responsable de los cortometrajes Los últimos y Koro. Fiel a su cita con la Muestra, Cristina no dejó pasar la opotunidad de visionar con nosotros su último trabajo. Es de admirar que una directora de su nivel se haya desplazado desde Madrid a Canarias para asistir a tal evento. Al término de la proyección de Koro, gran parte del público no dudó en ovacionarla. Esperamos que el año que viene podamos volver a contar con ella.

La directora Cristina Sánchez Botella en un momento de la presentación.

El corto Peliculeros, del canario José Lobillo, también despertó varios aplausos. Otro tanto ocurrió con el drama Ausencia y el impactante Reloj de arena. La comedia, representada por Lacruaquet, de Asier Iza Cea, arrancó más de una carcajada entre el público. Y es que los espectadores parecieron empatizar muy pronto con los ancianos protagonistas, cuya única preocupación consistía únicamente en llegar antes que el otro al banco del parque en el que tenían sus tertulias. Por su parte, el corto La ventana, de José Luis Muñoz, fue el encargado de dar el contrapunto sentimental a la jornada, encontrándonos con un trabajo que, pese a contar con pocos medios, sorprendió gracias a la originalidad de su trama. En esta ocasión, la inocencia, la imaginación y la crueldad típicas del universo de los niños, se dieron de la mano en un corto que, a nivel personal, se ha convertido en uno de mis preferidos.

Un fotograma de La Ventana, de José Luis Muñoz, trabajo que pudo verse en la sesión de hoy.

El menú de mañana viernes se presenta bastante apetecible. Uno de los trabajos encargados de abrir la sesión será Mientras anochece, de Iván López, director y presentador del programa Objetivo en corto (Antena 3 Canarias). Otro de los cortos destacados será Moratín 36, un drama que nos acerca a la soledad en la que viven las personas mayores. Tampoco podrá faltar Julian´s Garden, dirigido por Ana Corrie y Tom Conant, con quienes hemos contado a lo largo de estos días (un gesto verdaderamente loable). Ambos directores se han desplazado desde Inglaterra para asistir a la Muestra, un aliciente de más que os obliga a vosotros, queridos lectores, a venir a la sesión de mañana.

Venidos desde Inglaterra, Tom Conant y Ana Corrie, los responsables de Julian´s Garden, también han asistido a las proyecciones de la Muestra. Su trabajo podrá verse mañana por la tarde.

Y esto es todo por hoy. Mañana pondremos punto y final a cinco días de duro trabajo. ¿Nos acompañaréis? Recordad que podéis echarle un vistazo a la programación pinchando aquí. No olvidéis que estamos en el Salón de Actos Gumersindo Trujillo de la Facultad de Derecho de la ULL (Campus Guajara). ¡Esperamos veros allí!

Diario de la Muestra de Cortos (Toma 3)

2011-05-05T02:10:00.001+01:00

Atravesamos el ecuador de la Muestra de Cortometrajes y nos acercamos al final. ¡Ains...! ¡Entre tanto corto, hay que ver lo rápido que han pasado los días! Pero bueno, no nos pongamos nostálgicos, pues mañana jueves tendremos otra sesión de lo más variada en ésta, nuestra querida Muestra.

Abriremos la jornada con la proyección de Ausencia, del director Javier Muñoz Carrera, un cortometraje que nos acerca a las penalidades del Alzheimer. También contaremos con Koro, el segundo trabajo de Cristina Sánchez Botella, directora con la que hemos tenido la suerte de contar en los días precedentes. Koro pone de manifiesto la capacidad de Cristina para adaptarse a cualquier género, lo cual ya dice mucho de su talento. Si anteriormente nos había conmovido con un documental sobre los horrores de la Guerra Civil, en esta ocasión nos presenta un drama que parte de una historia de amor que se prolonga más allá de la muerte.

Nuestro recorrido por el drama continuará con Reloj de arena, de David Turpín García. Este magnífico corto, protagonizado por la célebre actriz televisiva Neus Sanz, cuenta con un mensaje tan demoledor que no nos quedará más remedio que levantarnos de nuestro asiento y romper a aplaudir. Sin lugar a dudas, es uno de los mejores trabajos que hemos recibido. ¡No os perdáis esta oportunidad!

La Guerra Civil vuelve a planear por la Muestra gracias a Carta de Francia, de Diego López Cotillo, otro drama que nos cuenta el terrible exilio al que se vieron sometidos los que perdieron la guerra. Para los vencidos, abandonar España no sólo supuso dejar atrás su hogar y convertirse en apátridas, sino también renunciar a aquéllos que más querían.

Concluiremos nuestro periplo por el drama con la proyección de La Ventana, una estupenda historia que recoge la ternura y crueldad de los cuentos infantiles. Ingresada en un hospital por culpa de una enfermedad cardíaca, la pequeña Marta dedica parte de su tiempo en animar a su amiga Laura, otra niña de su misma edad que no puede levantarse de su cama. Para pasar el rato, Marta le cuenta todo lo que ve a través de la ventana de la habitación. Pero cuando Laura quiere ver con sus propios ojos lo que le cuenta su amiguita, ésta se niega en redondo, cuando no se comporta de manera grosera. ¿A qué puede deberse tal cambio? ¿Cuál es el secreto que oculta Marta?

Al igual que ha pasado durante los días anteriores, los cortometrajes canarios también tendrán sus representantes. En esta ocasión, el testigo será recogido por José Lobillo (Peliculeros) y Víctor Moreno (El extraño). Si el primero es una divertida fábula sobre la pasión que despierta en muchos de nosotros el cine, el segundo hace honor a su nombre, encontrándonos con un trabajo verdaderamente extraño y confuso, pero no por eso menos interesante e innovador.

Y eso es todo por hoy. Como siempre, os rogamos que no faltéis a la cita. Estamos seguros de que pasaréis un rato ameno y entretenido. ¡Nos vemos mañana!

Nota.- Por problemas técnicos, el cortometraje Consulta 16 que debería haberse proyectado hoy, se visionará al comienzo de la sesión de mañana. Disculpad las molestias.

Diario de la Muestra de Cortos (Toma 2)

2011-05-04T02:25:00.002+01:00

¡La Muestra de Cortos continúa adelante! Hoy, aparte de la gran afluencia de público, hemos tenido a varios representantes canarios entre los trabajos proyectados, lo cual nos alegra muchísimo, pues uno de los objetivos de la Muestra era dar a conocer a los nuevos directores isleños que se están moviendo por este mundillo. Nos estamos refiriendo a En el insomnio, de José Ángel Alayón Dévora, y Belanglos (Intrascendente), de David Pantaleón. Estos productos, cien por cien canarios, compartieron cartel con el cortometraje de animación francés Geometría, de Etienne Badia, un modesto trabajo realizado por ordenador que nos muestra que no hace falta ser un genio de las matemáticas para triunfar en la vida. Sobre todo, cuando eres un tal Pablo Ruiz Picasso...

Pero esto no se acaba aquí. Mañana continuaremos dando guerra. Abriremos la sesión con el cortometraje La Pasión de Adrián, un divertidísimo corto que nos confirma lo que muchos ya temíamos: el Anticristo ya anda entre nosotros (*risa maligna*)... Otra cosa es que viva con su madre y sea un pardillo del quince. La comedia continuará de la mano de Yo soy de amor (protagonizado por el televisivo Daniel Muriel) y Los 4 Mcnífikos. No podrá faltar, por supuesto, el drama. Esta vez serán los canarios Nayra y Javier Sanz Fuertes los responsables de conmovernos con el corto Aniversario, un impactante trabajo que dejará una profunda huella en el espectador.

Por su parte, el terror correrá a cargo de Rául Pérez Cerezo y su trabajo Ocho, en el que una familia un tanto singular será la encargada de ponernos en tensión durante cerca de quince minutos. Cerrando nuestro programa, proyectaremos el documental Fondo para un caballero, un trabajo que nos acerca a la polémica restauración (con bronca política incluida) que sufrió el famoso Caballero con la mano en el pecho en 1998.

Como podéis ver, material no nos falta, y nuestras ganas de trabajar son iguales a las del primer día. Os recordamos que hasta este viernes estaremos en la Sala Gumersindo Tujillo de la Facultad de Derecho de la ULL (Campus Guajara), muy cerca de la Biblioteca. ¡No dejéis de venir!

Diario de la Muestra de Cortos (Toma 1)

2011-05-02T23:00:00.006+01:00

¡Por fin! Después de varios meses de trabajo, hoy hemos dado el banderazo de salida a la Muestra de Cortometrajes del Aula de Cine de la ULL. Como entre la variedad está el gusto, la programación de hoy recogió lo mejor de cada género, desde el drama (representado por los trabajos Palabras y Dulce) hasta la comedia (La presencia y Made in Japan), pasando por la animación (The King), el documental (Defensora), entre otros.

Una sindicalista colombiana en busca de justicia, un singular joven que viaja hasta Japón en busca de su padre, un aprendiz de fantasma que se resiste a creer que no ha muerto, un malvado rey que sueña con ganarse el respeto de sus súbditos... Tales fueron las historias que desfilaron por la pantalla del Salón de actos Gumersindo Trujillo.

Entre los asistentes al acto, tuvimos la suerte de contar con Cristina Sánchez Botella, directora de dos cortometrajes que podrán verse durante la Muestra: el documental Los últimos y el corto de ficción Koro. Cristina no dejó pasar la oportunidad de felicitarnos por nuestra iniciativa, prometiéndonos asistir al resto de las sesiones.

Precisamente, Los últimos será uno de los trabajos de Cristina que podremos ver en la sesión de mañana martes. Su argumento nos traslada a 1938, acercándonos al bombardeo rebelde sobre el Mercado Central de Alicante durante la Guerra Civil. A través del testimonio de tres protagonistas, conoceremos de cerca el drama de la guerra y las posterior represión a la que se vieron sometidos los vencidos.

Los últimos compartirá cartel con Hachís, un documental que nos acerca al tráfico de drogas que se desarrolla en las montañas de Marruecos. La animación estará representada por el cortometraje francés Géométrie y el canario En el insomnio, mientras que la comedia correrá a cargo de Palabras y el entrañable Panchito. A destacar también la presencia del interesantísimo trabajo Clara. El mar, una estupenda reflexión sobre las relaciones de pareja con tintes tragicómicos.

La cita, al igual que hoy, será en el Salón de actos Gumersindo Trujillo a partir de las seis de la tarde. Desde el Aula de Cine de la ULL, esperamos contar con vuestra presencia. ¡Sed puntuales!

Programación Muestra de cortos 2011

2011-04-21T20:22:00.007+01:00

Programación Muestra de Cortos 2011

Fecha: del 2 al 6 de mayo de 2011

Horario: desde las 18:00 hasta las 20:00 horas

Lugar: Aula Magna Gumersindo Trujillo (Facultad de Derecho de la Universidad de La Laguna)

Lunes 2 de mayo:

EL CORTEJO, de Marina Seresesky (14 minutos)

PALABRAS, de Emilio Alonso (14 minutos)

MADE IN JAPAN, de Ciro Altabás (5 minutos)

ZIG-ZAG, de Sara Alquézar (10 minutos)

EFÍMERA, de Javier Macipe (24 minutos)

KING, de Miguel Ángel Rubio (6,5 minutos)

DULCE, de Iván Ruiz Flores (14 minutos)

LA PRESENCIA, de Igor Marcus (12 minutos)

DEFENSORA, de Aitor de Miguel (12 minutos)

Martes 3 de mayo:

PALABRAS, de José Carlos Gómez y Rafa Rojas-Díez (10 minutos)

BELANGLOS (INTRASCENDENTE), de David Pantaleón (18 minutos)

MANOS, de Jon Sagalá (7 minutos)

GÉOMÉTRIE (GEOMETRÍA), de Etienne Badia (2 minutos)

EL OLIVO AMARILLO, de Guillermo Polo (24 minutos)

PANCHITO, de Arantxa Echevarría Carcedo (16 minutos)

EN EL INSOMNIO, de José Ángel Alayón Dévora (5 minutos)

CLARA. EL MAR, de Dany Campos (13 minutos)

LOS ÚLTIMOS, de Cristina Sánchez Botella (15 minutos)

HAMBRE/HACHÍS, de Enrique Bocanegra (18 minutos)

Miércoles 4 de mayo:

LA PASIÓN DE ADRIÁN, de Luis Fernández-Jardón (19 minutos)

ANNIVERSARY (ANIVERSARIO), de Nayra Sanz Fuentes y Javier Sanz Fuentes (9 minutos)

LOS 4 MCNIFIKOS, de Tucker Dávila Wood (5,3 minutos)

OCHO, de Raúl Pérez Cerezo (13 minutos)

CONSULTA 16, de José Manuel Carrasco (12 minutos)

ESTAR AQUÍ, de Silvia González Laá (14 minutos)

NOCHES LARGAS, de Manuel Martín Parra (4 minutos)

YO SOY DE AMOR, de Carlo D`Ursi (10 minutos)

CAMAS CALIENTES, de Lluc Güell y Paula Morelló (14 minutos)

FONDO PARA UN CABALLERO, de Emiliano Cano Díaz (28 minutos)

Jueves 5 de mayo:

ABSENCIA (AUSENCIA), de Javier Muñoz Carrera (12 minutos)

PELICULEROS, de José Lobillo (15 minutos)

LACRUAQUET, de Asier Iza Cea (12 minutos)

RELOJ DE ARENA, de David Turpín García (2 minutos)

KORO, de Cristina Sánchez Botella (18 minutos)

5 MILLONES, de Víctor Díaz Somoza (13 minutos)

CARTA DE FRANCIA, de Diego López Cotillo (17 minutos)

EL EXTRAÑO, de Víctor Moreno (2 minutos)

LA VENTANA, de José Luis Muñoz (19 minutos)

ODEON: EL TIEMPO SUSPENDIDO, de Jo Graell (19 minutos)

Viernes 6 de mayo:

MIRADA PERDIDA, de David Pareja (9 minutos)

MIENTRAS ANOCHECE, de Iván López (9 minutos)

BERLÍN, de J. Enrique Sánchez (3 minutos)

EL FORJADOR DE HISTORIAS, de José Gómez Gallego (15 minutos)

JULIAN’S GARDEN (EL JARDÍN DE JULIAN), de Ana Corrie y Tom Conant (21 minutos)

DOOMED (CONDENADOS), de Guillermo García Carsi (11 minutos)

MORATÍN 36, de Paco Egido (5,5 minutos)

YO NO SOY YO, de Farid Fatmi (14 minutos)

LAS OVEJAS PUEDEN PASTAR SEGURAS, de Nestor Sampieri (11 minutos)

CONVERGENTES, de Alejandro Portaz (6 minutos)

UN DÍA EN SMARA, de Fany de La Chica (24 minutos)

Killeralgen (Corinna Engelhardt, Elmar Bartlmae)

2011-03-22T14:48:00.005Z

Dirección: Corinna Engelhardt, Elmar Bartlmae.

Países: Alemania, Irlanda, Estados Unidos, Filipinas.

Año: 2010.

Duración: 51 min.

Género: Documental.

Guión: Corinna Engelhardt.

Producción: Elmar Bartlmae.

Música: Robert Hartshome.

Fotografía: Roland Mayer.

Montaje: Oliver Hermann.

Desde hace años se ha venido notando en distintas partes del mundo una proliferación de casos de intoxicación por causa de una neurotoxina que, generada por ciertas especies de algas, envenenan las aguas, a los animales y, por supuesto, también al ser humano. Este fenómeno está teniendo serias repercusiones, especialmente en los colectivos que viven de la cosecha y recolección de mejillones, a través de los cuales se producen la mayor parte de las intoxicaciones, quienes se ven obligados a cesar su actividad durante largos periodos indeterminados hasta que los efectos de la neurotoxina desaparezca de las aguas. Pero, sin lugar a dudas, la consecuencia más dramática es la de las víctimas que este veneno invisible ha dejado tras de sí.

Este documental trata un tema todavía relativamente desconocido pero que empieza a preocupar a los colectivos científicos que estudian este fenómeno.

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IDAFE HERNÁNDEZ PLATA

Divine Pig (Hans Dortmans)

2011-03-22T14:29:00.006Z

Dirección: Hans Dortmans.

País: Holanda

Año: 2010.

Duración: 107 min.

Género: Documental.

Guión: Hans Dortmans.

Producción: Pieter van Huijstee Film.

Música: De Kift.

Fotografía: Eric van Empel.

Montaje: Patrick Janssens.

Jamón, lomo, salchichas, chuletas… El consumo de carne de cerdo está tan arraigado en nuestra sociedad que en muchas ocasiones nos pasa desapercibido el proceso de elaboración de sus productos.

Dorus es un cerdo que se ha convertido en la mascota de Gerard Zwetsloot, un carnicero holandés, que trata de decidir si le pesa más el amor por el animal o el sabor de su carne.

De manera dinámica y atractiva, el director Hans Dortmans nos traslada a través del último año antes de que Dorus alcance la edad ideal para ser sacrificado mientras, a su alrededor, la gente opina sobre su destino.

Hay razonamientos para todos los gustos, están quienes consideran al cerdo animal impuro o insano, otros sienten lástima ante su muerte y otros están deseando echarle el diente a su carne. El documental muestra todas estas opiniones sin llegar a tomar partido pero sin mantenerse en ningún momento al margen, manteniendo en tensión el argumento durante todo el metraje.

Se trata de una película inteligente, fiel a la realidad, cruda por momentos y emotiva en otras ocasiones, que elabora un interesante discurso sobre el amor y la supervivencia, en ocasiones, sentimientos incompatibles.

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IDAFE HERNÁNDEZ PLATA

La quimera del oro (Charles Chaplin)

2011-03-22T13:08:00.009Z

Título: La quimera del oro.

Dirección: Estados Unidos.

Año: 1925.

Duración: 95 min.

Género: Comedia.

Interpretación: Charles Chaplin, Mack Swain, Georgia Hale, Tom Murray, Malcom Waite, Henry Bergman, Betty Morrisey.

Guión: Charles Chaplin.

Fotografía: Rollie Totheroh y Jack Wilson.

EL TRIUNFO DE LA BONDAD

Con la proyección de La quimera del oro, CineEsCena ha puesto punto y final a su homenaje a Charles Chaplin. Desde el pasado martes, la sección Retrospectiva fue la encargada de ofrecernos algunas de las obras del genial cineasta británico, entre las que se incluyen Tiempos modernos, la ya citada Quimera... y los cortometrajes El conde y El emigrante.

La quimera del oro nos vuelve a poner en la piel de Charlot, el simpático y entrañable vagabundo popularizado por Chaplin a comienzos de su carrera. En esta ocasión, Charlot viaja al Gran Norte para unirse a los buscadores de oro que recorren de forma incansable la región. Allí, entre otros personajes, conocerá a Big Jim, el bonachón trampero; a Black Larson, un siniestro fugitivo buscado por la ley; y a la hermosa y a ratos frívola Georgia, una cantante de saloon de la que el vagabundo se enamorará perdidamente.

Las referencias gastronómicas en esta película abundan por doquier. De todos es conocida la escena de Charlot zampándose una de sus botas al no encontrar en la cabaña nada a lo que hincar el diente; o esa otra en la que trincha unas patatas con dos tenedores y ejecuta algunos pasos de danza. Pese la comicidad de estas escenas, se respira un cierto aire de patetismo en ellas, especialmente en la última, donde el hombrecillo del bigote se imagina entreteniendo a unas invitadas (entre las que se incluye Georgia) que nunca llegarán.

Una vez más, Chaplin ha sabido dotar a su personaje de esa inocencia y picaresca tan características. En La quimera del oro, Charlot sale airoso de todas las dificultades. Chaplin premia así a la bondad innata del ser humano, castigando a los villanos y recompensando a los héroes. Porque si alguien es un héroe del sentimiento, ése es Charlot.

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Últimos días de CineEsCena

2011-03-22T13:01:00.004Z

Conferencia: "Nacimiento y desarrollo del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, impartida por Claudio Utrera (director del festival).

CineEsCena ha tenido la suerte de contar con Claudio Utrera como conferenciante. El director del Festival de Cine de Las Palmas fue el encargado de cerrar los actos de la mañana del jueves con una ponencia impartida en el Salón de Actos de la UNED.

Una de los objetivos del Festival Internacional de Las Palmas es el de ofrecer a sus espectadores otra forma de ver el cine. Pese a no despreciar el cine Made in Hollywood, la marcada línea editorial del Festival se caracteriza por su apuesta por el cine independiente, siendo el nuevo cine asiático uno de sus referentes.

Cabe destacar la negativa del director en convertir al Festival de Las Palmas en un festival de Categoría A (al estilo de Berlín o Toronto), los cuales en los últimos años se han decidido a proyectar películas de carácter claramente comercial. Claudio Utrera no dejó pasar la ocasión para repetir que Un festival de cine debe ser un espacio consagrado a la vanguardia cinematográfica, dejando claro que los contenidos del Festival de Las Palmas se basan en un cine de compromiso, joven, independiente y de ruptura.

El éxito del Festival de cine de Las Palmas es un hecho. Hablan las cifras: en su última edición, el evento contó con cerca de 42.000 espectadores, visionándose alrededor de 150 películas de un total de 500 que no pasaron la selección final.

Claudio Utrera aprovechó el acto para dar las gracias a la Administración (tanto a nivel provincial como nacional) por mostrar interés en la realización del Festival. Acabada su ponencia, se abrió un interesantísimo debate entre los ponentes y el público asistente, en el que se habló de la siempre constante crisis del cine español y del futuro de las producciones canarias. Claudio Utrera se mostró especialmente optimista en esta última cuestión, argumentando que la mayoría de los trabajos presentados a concurso son de origen canario. Y pese a que la calidad de los trabajos canarios fue puesta en tela de juicio, el cineasta no dudó en remarcar que Un Festival tiene que arriesgarse a la hora de programar.

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El pez, el pollo y el cangrejo real

2011-03-17T14:57:00.009Z

FICHA TÉCNICA:

Título: El pollo, el pez y el cangrejo real.

Director: José Luis López-Linares.

País: España.

Año: 2008

Duración: 86 min.

Género: Documental.

Intervenciones: Jesús Almagro, Pedro Larumbe, Sven Erik Renaa, Serge Vieira, Alberto Chicote, Juan Mari Arzak.

Guión: José Luis López-Linares, Antonio Saura.

Producción: José Luis López-Linares, Antonio Saura.

Fotografía: Teo Delgado.

Montaje: Sergio Deustua.

De cómo el esfuerzo a veces no da sus frutos

Si hay un galardón al que todo cocinero quiera aspirar es el Bocuse D`Or. Cada dos años, los mejores chefs del mundo se dan cita en la ciudad francesa de Lyon, donde darán buena muestra de sus habilidades. Y Jesús Almagro es uno de ellos.

Considerado como uno de los mejores cocineros de ámbito nacional, Jesús tendrá muy poco tiempo para preparar una reñidísima competición en la que los más distinguidos chefs españoles se han estrellado. Nuestro cocinero está dispuesto a terminar con la maldición, aunque para eso tenga que pasarse más de tres meses de su vida entre fogones.

Pero Jesús no estará solo en su periplo culinario. Tiene el respaldo de su familia y de toda una legión de chefs que le ayudarán en su labor. Obtener el Bocuse D`Or no es tarea fácil y toda ayuda es poca. A partir de este momento, se inicia una carrera en la que los nervios y los sentimientos estarán a flor de piel. Queda muy poco tiempo para que el certamen comience y las esperanzas de todo un país están puestas en Jesús. ¿Conseguirá nuestro amigo alzarse con el prestigioso galardón?

El pollo, el pez y el cangrejo real es un documental que nos acerca a los grandes festivales culinarios tantas veces parodiados en televisión. Considerados como un show, los certámenes gastronómicos se han ido imponiendo en nuestro país con el paso del tiempo, hasta el punto de que varios cocineros nacionales se han decidido a participar. El empeño de estos profesionales por hacerse un hueco entre los mejores del mundo queda más que demostrado en este trabajo, en el cual vemos a un Jesús minado por la fatiga, el cansancio y las ganas de ganar.

Pese a que va dirigido a un público muy restringido, El pollo, el pez y el cangrejo real puede ser visionado por cualquier espectador. Quizá uno de sus puntos a favor sea el de mostrar estos festivales como una competición deportiva que cuenta con sus aficionados y sus hinchas, una característica que los hunaniza y los aleja de ese ámbito elitista que los medios de comunicación no han dejado de ofrecernos. El espectador se sentirá identificado con Jesús, al que verá perder los nervios, ilusionarse y, finalmente, resignarse ante la derrota. A destacar la explicación que se hace de cada uno de los alimentos con los que los chefs tendrá que elaborar sus platos (el pollo, el pescado y el cangrejo), cada uno de ellos con sus propias características. Llama la atención el papel del cangrejo real, prácticamente un recién llegado a la gastronomía europea. Y es que este crustáceo, originario del Pacífico, fue introducido en la costa occidental de Rusia a mediados de la década de los sesenta, llegando a Noruega a comienzos de los noventa, lugar donde se cría y recolecta. Gracias a esto, comprenderemos que lo importante de estos festivales no se reduce únicamente al espectáculo. Entre bastidores, todavía quedan muchas historias que contar.

Un documental imprescindible que todo amante de la gastronomía no debe dejar de ver.

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Prosiguen los actos de CineEsCena

2011-03-17T14:31:00.006Z

Rueda de prensa: Presentación de los cortometrajes canarios a concurso.

Prosiguen los actos en CineEsCena. En esta ocasión el protagonismo del pasado martes se lo llevaron los cortometrajes canarios presentados a concurso. Una vez más, el director de CineEsCena, Sergio Negrín, ejerció de maestro de ceremonias, presidiendo la rueda de prensa en la que los diferentes directores pudieron exponer de forma detallada qué significaba para ellos poder estar en el Festival. La presentación contó con la presencia de Patrick Bencomo (recién llegado de Madrid), Jairo López, entre otros, y hubo momentos tanto para las anécdotas como para los agradecimientos.
Resulta imposible no quedarse con el argumento de algunos de estos cortos. Llama especialmente el trabajo de Patrick Bencomo Entre fogones. Perteneciente al género de las comedias románticas, el corto se desarrolla en un restaurante, asisitiendo el espectador a una divertida historia de amor. Tampoco se queda atrás la historia que nos propone Jairo López en Como siempre, cuya trama se desarrolla en Arico durante la noche de Fin de Año.
Todos estos trabajos y muchos más pudieron verse esa misma tarde en el Teatro Leal. Los cortometrajes canarios tendrán que vérselas con los de factura nacional y extranjera, presentados en un acto similar al día siguiente; pero sólo uno podrá optar al Premio Aguere, el galardón creado por CineEsCena para la ocasión. El premio está dotado con 2000 euros y una estatuilla. Ni que decir tiene que le deseamos toda la suerte del mundo a los participantes.

Presentación del libro Un sorbo de cine y sesión de firmas.

A primera hora de la tarde del martes, se presentó en la Casa Viña Norte el libro Un sorbo de cine, un compendio de carácter literario encargado de resaltar el papel del vino dentro del Séptimo Arte. El acto contó con la presencia de Sergio Negrín, Joaquín Ayala, el responsable del proyecto y varios autores. Joaquín Ayala tuvo la amabilidad de explicarnos qué pretendía con la edición de este trabajo, que no deja de ser una retrospectiva del vino según el cine y, ante todo, la repercusión de ambos en la mente de los autores de los diferentes artículos que componen esta antología. Antonio Álvarez de la Rosa, coautor del trabajo, fue mucho más lejos dejando una frase para el recuerdo. Y es que uno de los objetivos de Un sorbo de cine es el de reunir en un volumen un placer milenario con un placer centenario, encarnados por el vino y el cine respectivamente (y al que habría que añadirle, sin lugar a dudas, el placer de la lectura). Curiosamente, el artículo de Antonio Álvarez (Las cepas del Valle Abraham), es uno de los que más reminiscencias literarias tiene, utilizando como base la película portuguesa Valle Abraham, basada a su vez en una adaptación de una obra del inmortal escritor francés Gustave Flaubert. Ahí es nada.
Son varias las películas que desfilan a través del libro, como Noche de vino tinto, French Kiss, Un buen año, Entre copas y muchas, muchísimas más. Con todas estas premisas, no cabe duda de que Un sorbo de cine cumple con lo que promete, y uno no puede menos que desear que llegue la noche para encender la luz de su dormitorio, sentarse en su sillón favorito y dejarse atrapar por las cientos de historias que recorren sus páginas. Sin lugar a dudas, estamos ante un libro que dejará (nunca mejor dicho) un buen sabor de boca en el lector.
El acto contó la presencia de diferentes medios de comunicación (como la Cadena Ser), así como de una gran afluencia de público. Al término de la presentación, se repartieron varios ejemplares entre los asistentes que los autores se apresuraron a firmar, poniendo punto y final a una emocionante hora y media literaria.

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¡Arranca CineEsCena!

2011-03-15T14:22:00.017Z

Inauguración

A las once y media de ayer, el I Festival de Cine Gastronómico Ciudad de La Laguna (CineEsCena) arrancó en la Casa de los Capitanes. El acto, de breve duración, contó con la presencia de Sergio Negrín, organizador del Festival; Fernando Clavijo, alcalde de La Laguna; y Carlos Alonso, consejero insular de Economía y Competitividad del Cabildo de Tenerife. Junto a la inauguración del Festival, también se presentó la exposición Fotografía gastronómica: del bodegón al porn food, la cual forma parte del programa de actividades del Festival. La exposición pretende, ante todo, mostrar la evolución que ha experimentado la fotografía gastronómica desde sus orígenes (cuyo máximo exponente es el bodegón) hasta nuestros días, encontrándonos con los atrevidos montajes propios de la industria del entretenimiento pornográfico. La entrada a la exposición será gratuita.

El principal objetivo de CineEsCena es el de aunar gastronomía y arte (especialmente cine). Los amantes del Séptimo Arte y del buen comer tienen una cita obligatoria en La Laguna del 14 al 19 de marzo. Razones para asistir no faltan, pues varias de las cintas presentadas al Festival serán exhibidas por primera vez al público. Cortometrajes, documentales y películas tendrán su cabida en un evento que promete convertirse en toda una referencia internacional.

Fieles al buen cine, el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna se ha sumado al proyecto con entusiasmo. ¡Esperamos veros en las proyecciones!

Presentación de la Película-Documental ¡Qué crudo lo tenemos...! ¿O no?, de Pablo Torres

El director y documentalista Pablo Torres Boza fue uno de los encargados en abrir la primera de las numerosas ruedas de prensa que tendrán lugar en CineEsCena. El joven cineasta ha presentado a concurso su trabajo ¡Qué crudo lo tenemos...! ¿O no?, un documental que pretende acercarnos a las creencias alimentarias de los distintos pueblos que conforman el sudeste asiático.

Para su realización, el autor se vio obligado a realizar un emocionante viaje hacia Tailandia, Laos y Malasia, donde tomó nota de todo cuanto vio. En palabras del director, este recorrido supuso todo un viaje de autoconocimiento que le sirvió para conocer de cerca cómo se vive la gastronomía en estos países. Y es que es normal que el interés del director se haya centrado en esta parte del planeta, ya que es una de las regiones en donde más alimentos crudos se consumen.

Entre otras cosas, Pablo nos descubre un mundo bastante complejo en el que nos tropezamos con diferentes grupos de personas y etnias que han hecho de sus hábitos alimentarios toda una forma de vida. El visionado de ¡Qué crudo lo tenemos...! ¿O no? le será útil al espectador occidental para valorar y juzgar el día a día de otras culturas. Y todo desde el punto de vista de la gastronomía, la cual ha entrado a formar parte de los rituales religiosos de estos pueblos.

El documental finalmente se estrenó la tarde del lunes, dentro de la Sección de Competición Documental. Dentro de esta misma área también podremos encontrar el documental holandés Goddelijk Varken, la producción española Las Catedrales del vino, el peruano Entre Ollas y sueños, entre otros.

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II Muestra de cortometrajes 2011 (Aula de Cine de la Universidad de La Laguna)

2011-02-10T04:15:00.007Z

Desde el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, seguimos esperando con entusiasmo la llegada de vuestros cortometrajes. ¡Animaros a participar! Recordad que podéis mandarnos vuestros trabajos a la siguiente dirección:

Aula de Cine

Vicerrectorado de Relaciones Universidad y Sociedad

c/Viana, nº50

38201 La Laguna

Podéis encontrar más información tanto en los foros del Aula de Cine como en este blog. ¡Contamos con vosotros!

IIª MUESTRA DE CORTOMETRAJES DEL AULA DE CINE DE LA ULL

2011-01-14T12:38:00.004Z

BASES PARA LA PRESENTACIÓN DE TRABAJOS:

1º Abierta a todos los realizadores mayores de 18 años. Pudiendo ser creaciones individuales o colectivas, sin distinción de nacionalidad o residencia.

2º Los trabajos se podrán presentar a partir de la fecha de publicación de estas bases, vía correo certificado a la siguiente dirección,

Aula de Cine
Vicerrectorado de Relaciones Universidad y Sociedad
c/Viana, nº50
38201 La Laguna

Fecha limite de entrega: 31 de marzo de 2011.
Cabe la posibilidad de ponerse en contacto con algún miembro del Aula de Cine para entrega en mano.
El sobre deberá indicar: Muestra de cortometrajes Aula de Cine ULL.

3º La temática será de libre elección.

4º Se considera fecha de presentación la correspondiente al matasellos. La organización no asume ninguna responsabilidad por los daños o desperfectos que las obras presentadas puedan sufrir en tales envíos, cuyos gastos correrán a cargo de los concursantes. Las copias formarán parte del Archivo audiovisual del Aula de Cine de ULL respetándose la totalidad de los derechos de cada obra, a menos que se solicite su destrucción después de la muestra.

5º Los trabajos podrán ser realizados mediante cualquier medio audiovisual, siempre que mantenga unos mínimos de calidad, y en cualquier caso, presentados exclusivamente en formato DVD.

6º La duración máxima de los cortos será de 30 minutos.
Las obras podrán estar realizadas en blanco y negro o color.
Pueden ser obras de animación, ficción, o documental.
En el caso de que las obras tengan sonido hablado que no sea en idioma Castellano, deberá incluir subtítulos.
Los trabajos deben ser originales y no incluir ningún material visual o sonoro atado a derechos de autor de terceros.

7º Todos los trabajos deberán estar acompañados por una ficha con los siguientes datos: un pequeño resumen del argumento, autor, duración, la autorización para su proyección, el acta de donación de la copia a la filmoteca del aula, un correo electrónico y teléfono de contacto. En caso de pertenece a alguna asociación o alguna entidad de gestión de derechos de autor (SGAE, DAMA o similar), deberá incluir la autorización para la proyección de dicha entidad.

8º Si el número de trabajos superara los que, por tiempo, estamos capacitados para exhibir dentro de la muestra, se hará una selección, la cual será notificada a los participantes y anunciada en internet.

9º Bajo ningún concepto se exhibirán obras que afecten o induzcan a quebrantar los conceptos de convivencia pacífica, DDHH, o que resulten ofensivas, racistas o sexistas.

10º El Aula de Cine de la ULL se reserva el derecho de admisión de cortometrajes en el caso de que éstos incumplan alguno de los puntos anteriormente nombrados o no reúnan los requisitos mínimos para su reproducción.

11º El Aula de Cine de la ULL se reserva el derecho de modificar cualquier artículo de los antes expuestos si las circunstancias lo requieren. De ocurrir esto se daría oportuna publicidad.

Salvar al soldado Ryan

2010-12-17T01:00:00.001Z

Director: Steven Spielberg

Año: 1998

Pais: Estados Unidos

Duración: 170 min.

Interpretes: Tom Hanks, Tom Sizemore, Edward Burns, Barry Pepper, Adam Goldberg, Vin Diesel, Giovanni Ribisi, Jeremy Davies, Matt Damon, Ted Danson, Paul Giamatti, Dennis Farina, Joerg Stadler.

"HÁGASE DIGNO, RYAN. HÁGASE DIGNO DE TODO CUANTO SE HA HECHO POR USTED HOY"

En plena Segunda Guerra Mundial, durante la invasión de Normandía, a un grupo de soldados americanos les es encomendada una peligrosa misión: salvar al soldado Ryan. La patrulla del capitán John Miller debe arriesgar sus vidas para encontrar y devolver a casa al soldado James Ryan, cuyos tres hermanos han muerto en el conflicto. Lo último que se supo del soldado Ryan es que se lanzó con su escuadrón de paracaidistas detrás de las líneas enemigas.

Es inevitable hablar de la escena del desembarco, que es realmente impactante y seguramente la que más recordará mucha gente tiempo después de ver la película. Aquí resulta muy inteligente el uso de la cámara al hombro, que en esta ocasión nos evoca esas imágenes bélicas reales tomadas por reporteros que todos hemos visto por la televisión.

La intensidad de la acción era tal que el espectador -cualquier espectador- quedaba agarrotado en su butaca, prendido de las imágenes y el sonido, olvidando casi dónde estaba. Fueron veinte minutos en los que el vértigo de las imágenes impedía pensar.

Todos los medios de que se vale la industria del entretenimiento USA fueron puestos al servicio de esta película. Podríamos decir que rodar "Salvar al Soldado Ryan" fue una obra monumental, un guión políticamente correcto, inatacable desde cualquier punto de vista, la banda sonora intachable de John Williams y en definitiva, perfecta.

Con "Salvar al Soldado Ryan" Steven Spielberg cambió la forma en que se planteaban y rodaban las películas bélicas. Con su puesta en escena hiperrealista consiguió impactar y hacer ver al espectador lo que de verdad representaba estar en medio de una batalla. A la perfección técnica en la ejecución de la escena del desembarco de Normandía que abre el film, añade los detalles más implacables del horror de la guerra. La muerte, la destrucción, la mutilación son vistos como nunca antes. Con esta película Spielberg transformaba el género bélico de las "Hazañas Bélicas" a las que estábamos acostumbrados al "realismo de la guerra".

F. Javier Ramos

El día más largo

2010-12-16T01:00:00.004Z

Director: Ken Annakin, Andrew Marton y Bernhard Wicki

Año: 1962

País: Estados Unidos

Duración: 180 min.

Intérpretes: John Wayne, Robert Mitchum, Henry Fonda, Richard Burton, Sean Connery, Curt Jurgens, Rod Steiger, Robert Ryan, Eddie Albert, Peter Lawford, Gert Frobe, Robert Wagner, Sal Mineo, Mel Ferrer, Richard Todd, Richard Beymer, Jeffrey Hunter, George Segal, Paul Anka, Steve Forrest

En el film se relata con mucho detalle el desembarco de las tropas aliadas en la playa de Normandía durante la II Guerra Mundial. Fue ese día, el 6 de junio de 1944, el que marcó el comienzo del fin del dominio nazi sobre Europa.

Estando basada en el libro que Cornelius Ryan escribió sobre los acontecimientos ocurridos durante el día D, el desembarco de Normandía el 6 de junio de 1944, el productor Darryl F. Zanuck decidió llevar a cabo uno de los films bélicos más ambiciosos que jamás se habían rodado hasta ese momento. Para ello contó, entre otras cosas, con un gran despliegue de medios, desde asesores militares que ayudaran en la producción, que el film fuese rodado donde tuvieron lugar los acontecimientos y sobre todo con el mayor reparto de estrellas que jamás había se había visto en una película.

También se decidió que para aportar un mayor realismo a la visión de este episodio de la II Guerra Mundial se viera desde ambos bandos y no desde uno como casi siempre se solía hacer en muchos films bélicos, a ello añadir que el film tuvo tres directores (e incluso el propio Zanuck, aunque no esté acreditado) que retrataban cada parte de los bandos.

Se tocaron todos los puntos de vista posibles, desde los altos mandos, hasta los soldados que están en la batalla, pasando por personajes del pueblo en el que suceden los hechos. Con ello se consiguió una excelente recreación histórica de lo que ocurrió en aquella fecha y uno de los films más veraces que se hayan hecho de la II Guerra Mundial.

Fue tal su éxito que fue nominada a 5 Oscars, incluyendo el de Mejor Película, y recibiendo 2, a la Mejor Fotografía y Efectos Especiales. También se puede decir que inauguró la estela de films sobre episodios de la II Guerra Mundial con grandes repartos estelares, como pueden ser “La batalla de las Ardenas”, “Arde París”, “La batalla de Inglaterra”, “La batalla de Midway” y la que casi se pudo igualarla en cuanto a gran cantidad de estrellas y que también se basaba en un libro de Cornelius Ryan, “Un puente lejano”.

Jose Manuel Alés González

La delgada linea roja

2010-12-14T17:10:00.002Z

Título original: The thin red line

Dirección: Terrence Malick

Guión: Terrence Malick, a partir de la novela homónima de James Jones

Duración: 171 minutos.

Música: Hans Zimmer

Interpretación: Sean Penn, Adrien Brody, Jim Caviezel, Bien Chaplin, George Clooney, John Cusack, Woody Harrelson, Elias Koteas, Nick Nolte, John C. Reilly, John Travolta.

“¿HA MUERTO ALGUIEN EN TUS BRAZOS?”

II Guerra Mundial, Isla de Guadalcanal, 1942. Un grupo de hombres pertenecientes a la compañía de fusileros del ejército "C de Charlie" combate contra el ejército japonés por la conquista de una estratégica colina. Allí, los hombres sufren grandes cambios, padecen y, en última instancia, descubren aspectos fundamentales de sí mismos. Los soldados forman parte del envío de nuevas unidades del ejército para proceder al revelo de las unidades de infantería de marina agotadas por el combate.

Este film supuso el retorno a las pantallas desde 1978 del director Terrence Malick quien por aquel entonces tan solo había dirigido un par de películas: “Días del cielo” y “Malas tierras”. Llamada a crear un antes y un después en el cine bélico, y posiblemente en el cine en general. Está película no llegó a convertirse en la gran obra de culto que muchos de los seguidores de Malick esperaban debido a que por las mismas fechas se estrenaba también en los cines “Salvar al soldado Ryan” de Steven Spielberg (película que también forma parte del ciclo), la cual se llevó toda la repercusión mediática eclipsando a esta obra.

También le pasó factura a la hora de recibir galardones los cuales fueron a caer a su gran competidora:

1998: 7 Nominaciones al Oscar, incluyendo mejor director, fotografía, bso, película

1999: Oso de Oro en el Festival de Berlín: Mejor película

1998: Nominada a los Premios Cesar: Mejor película extranjera

1998: 2 premios de Círculo de críticos de Nueva York: Mejor director, fotografía

La critica elogió esta cinta y no dudó en clasificarla como obra maestra. El publico no reaccionó de igual manera. Y es que esta película más que cine bélico trata de un ejercicio anti-belico en el que no veremos ultimas frases gloriosas antes de morir de los personajes, no veremos escenas de acción trepidantes ni soldados valientes que desean que comience la batalla. Malick nos adentra en una guerra más sentimental, donde los soldados tienen miedo antes y durante el combate; las altos mandos son de todo menos amables y donde abundan los flashbacks rememorando los días mas felices de los personajes.

El proyecto original duraba cerca de nueve horas que los productores recortaron en apenas tres. En las tijeras del montaje se quedaron las interpretaciones de un buen puñado de estrellas, y quedaron reducidas a fugaces apariciones (algunas rozando el cameo) las intervenciones de otras tantas. Es tal la cantidad de personajes que aparecen en el metraje que pronto llega un momento en que quedan todos confundidos en una masa uniforme destacando solo el papel de algunos pocos aunque el buen hacer de los mismos no empaña el global de la película.

Con una banda sonora espectacular, un reparto de lujo (con especial mención de Nick Nolte), una fotografía muy cuidada y poética; y la veterana dirección de Terrence Malick dan como resultado una de las mejores películas bélicas de la historia, que nos cuenta los horrores de la guerra desde un punto de vista distinto al usual.

ANTONIO HERVÁS MUÑOZ

Enemigo a las puertas

2010-12-13T22:23:00.001Z

Director: Jean-Jacques Annaud

Año: 2001

País: Francia

Duración: 133 min.

Intérpretes: Jude Law, Joseph Fiennes, Rachel Weisz, Bob Hoskins, Ed Harris

"EN ESTE MUNDO, INCLUSO EN EL SOVIÉTICO, SIEMPRE HABRÁ RICOS Y POBRES, GENTE CON ESPERANZA Y DESESPERADOS, RICOS EN AMOR Y POBRES EN AMOR..."

En 1942, el fascismo y la tiranía se han apoderado de media Europa. Los ejércitos alemanes dominan de mar a mar y toda oposición es inútil. Francia ha sido derrotada, Inglaterra resiste impasible los ataques de la Luftwaffe y la Unión Soviética se encuentra sumida en el caos. La imparable máquina de guerra nazi se prepara para lanzar el ataque definitivo y Hitler ya sueña con la victoria. Rusia, al igual que el resto del continente, vivirá bajo el Nuevo Orden.

Sin embargo, el pueblo soviético todavía no ha dicho la última palabra. El Alto Mando ruso sabe que la moral de sus compatriotas está por los suelos y que la llama de la resistencia es cada vez más tenue. El pueblo, el ejército, el partido... Todos esperan la llegada de un héroe capaz de cambiar la situación... Y ese héroe es Vassili Zaitsev.

Así pues, el destino del único país que todavía puede derrotar a Hitler está en manos de un tímido joven venido de los Urales. No hay nadie que dispare mejor que él. Su rifle de francotirador ha sembrado el desorden en las filas alemanas, convirtiéndose en un modelo a seguir. Gracias a sus hazañas, las tropas rusas han recobrado su ímpetu.

Pero el peso de tantas responsabilidades agobia a Zaitsev, deseoso de volver a convertirse en un soldado más. Su modestia va más allá de la propaganda y de los ánimos que le infunde Danilov, su inseparable compañero de armas. La fama y el reconocimiento no son para él más que palabras vacías. Danilov, conocedor de los sentimientos de su camarada, trata de disuadirle de lo inútil de su actitud. ¿Cómo puede pensar así cuando el pueblo cree en él, cuando se ha convertido en un símbolo? El distanciamiento entre ambos compañeros es un hecho. La entrada en escena de la hermosa Tanya, no hará más que empeorar las cosas, ya que tanto uno como otro la aman hasta la desesperación.

Sin embargo, hay algo con lo que los dos amigos no contaban. Para contrarrestar a Zaitsev, los alemanes han hecho venir desde Berlín a uno de sus tiradores más experimentados, el mayor Koening. Vassili descubre de pronto que no es su propia vida la que está en juego, sino también la de aquellos a los que ama. Stalingrado ha dejado de ser la ciudad por la que luchan Stalin y Hitler. Ahora se libra en ella otro épico combate del que quizá dependa el futuro de la contienda.

Considerada como una de las películas europeas más exitosas de la pasada década, Enemigo a las puertas es una emocionante historia en la que la intriga y el romance se dan de la mano en un Stalingrado martirizado por la guerra. Cuando todavía resonaban los ecos del estreno de Salvar al soldado Ryan, Jean-Jacques Annaud sorprendió a todos recordándonos que en el frente del este también se llevaron a cabo proezas merecedoras de ser contadas. La historia de Zaitsev, a mitad de camino entre la realidad y la leyenda, es la prueba de que, aun en situaciones límite, el ser humano puede dar lo mejor de sí mismo.

Daniel Hernández Rodríguez

Senderos de gloria

2010-12-12T22:18:00.018Z

Director: Stanley Kubrick

Año: 1957

País: E.E.U.U.

Duración: 86 min.

Intérpretes: Kirk Douglas, Ralpf Meeker, Adolphe Menjou, George MacReady, Wayne Morris, Richard Anderson, Joseph Turkel, Timothy Carey, Peter Capell.

"EL PATRIOTISMO ES EL ÚLTIMO REFUGIO DE LOS CANALLAS"

La famosa frase del escritor del S. XVIII Samuel Johnson consigue reflejar a la perfección el mensaje que Stanley Kubrick pretende transmitir en “Senderos de Gloria”.

En plena Iª Guerra Mundial, el ejército francés ordena al ambicioso general Mireau la captura de “la colina de las hormigas”, una inexpugnable posición alemana. La toma de este punto estratégico se encomienda al regimiento del coronel Dax, pero el avance resulta imposible bajo el implacable fuego enemigo y los soldados se ven obligados a regresar a las trincheras. El alto mando militar, irritado por la derrota, acusa al regimiento de cobardía ante el enemigo, y convoca un consejo de guerra para castigar a los soldados.

Basada en la novela del mismo título, el propio Kubrick participó en la adaptación del guión. El proyecto tardó en llevarse al cine, debido al escaso interés de las productoras. Sin embargo, esta situación cambió gracias a la implicación de Kirk Douglas en la historia. La participación de Douglas culminó con su gran interpretación del coronel Dax en la película, y dió lugar a posteriores colaboraciones entre el actor y el director, tales como el rodaje de otra obra maestra: la película “Espartaco”.

Además de la interpretación de Douglas, destacan especialmente los trabajos de George McReady como el ambicioso General Mireau y de Adolphe Menjou como el General Boulard.

Tanto la película como la novela original están parcialmente inspiradas en acontecimientos reales: las ejecuciones improcedentes por insubordinación de cuatro soldados del ejército francés durante la primera guerra mundial, el desprecio del general al mando por la vida de dichos hombres, y las órdenes recibidas por parte de la artillería francesa de bombardear sus propias trincheras para obligar a las tropas a atacar al enemigo.

Kubrick retrata en esta obra maestra antibelicista la descarnada realidad de la guerra, el horror del combate y el miedo de los soldados en el campo de batalla. Esos mismos soldados, los que son incitados a dar la vida en nombre la patria y del honor, son a menudo usados como “carne de cañón” para satisfacer las ambiciones personales e intereses de los altos mandos de la jerarquía militar.

Esta dura temática la convirtió en una película incómoda, que fue invisible para la academia de Hollywood a la hora de repartir los premios Oscar en el año de su estreno. A pesar de haber sido rodada en 1957, las protestas militares contrarias a la imagen que se da del ejército en el film, causaron que no se estrenara en algunos países europeos hasta 1986.

Una película sobrecogedora que ha resultado ser una inspiración para muchos directores que han retratado posteriormente el drama de la guerra. Sin más, Steven Spielberg, ha llegado a admitir que “No hay nada más maravilloso y perfecto para definir el cine que el final de Senderos de Gloria”.

Judith N. M.

CINE BELICO

2010-11-23T23:07:00.011Z

EL AULA DE CINE DE LA UNIVERSIDAD DE LA LAGUNA PRESENTA ...

Del 13 al 17 de diciembre de 2010, a partir de las 17:30 horas, en la Biblioteca del antiguo convento de Santo Domingo

PROGRAMACIÓN

Lunes 13 de diciembre

Senderos de Gloria: Stanley Kubrick

Martes 14 de diciembre

Enemigo a las Puertas: Jean-Jacques Annaud

Miércoles 15 de diciembre

La Delgada Línea Roja: Terrence Malick

Jueves 16 de diciembre

El día mas largo: Ken Annakin, Andrew Marton y Bernhard Wicki

Viernes 17 de diciembre

Salvar al Soldado Ryan: Steven Spielberg

Cambio de fecha Ciudadano Kane

2010-06-12T16:52:00.002+01:00

Finalmente, por problemas técnicos, la película "Ciudadano Kane" no se proyectó el día 10. Los problemas ya están resueltos y se pondrá el Miércoles 16, a las 20:00 en el Antiguo Convento de Santo Domingo.

Sentimos mucho las molestias de todos los que se acercaron en pleno día lluvioso a ver la película. Esperamos que puedan asistir la semana que viene.

Decirles también que en este ciclo las películas se están proyectando
dobladas al castellano, ya que es una colaboración con el Ayuntamiento y
viene gente muy variada.

Esperamos verles allí.

El padrino

2010-06-04T16:36:00.000+01:00

Director: Francis Ford Coppola

Año: 1972

País: EEUU

Duración: 175 min.

Intérpretes: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Richard S. Castellano, Robert Duvall, Sterling Hayden, John Marley, Richard Conte, Al Lettieri, Richard Bright, Talia Shire, John Cazale, Abe Vigoda, Diane Keaton.

“Le haré una oferta que no podrá rechazar”

Esta es una de esas míticas frases que podremos oír a lo largo de “El Padrino” y que nos van a sonar familiares aunque nunca hayamos visto esta película. Esto se debe sin duda a que estamos ante una de las películas mas influyentes de la historia del cine y que algunos no dudan el calificar como perfecta.

Su gran influencia queda patente en la gran cantidad de referencias que encontraremos en el cine los de años venideros hasta la actualidad. Y es que estamos ante una de esas películas que cuando la vemos tenemos la sensación de que cada palabra, cada imagen y cada sonido se encuentran en el sitio en el que deben estar, en la que los personajes y los actores que los interpretan se han fundido de tal manera que nos hace difícil imaginar a otros actores en ese papel.

Basada en la novela homónima del novelista italoameriacano Mario Puzo, que colaboró además junto a Coppola en la realización del guión, la película nos cuenta la vida de Don Vito Corleone, que es el jefe de una de las cinco familias que ejercen el mando de la Cosa Nostra en Nueva York en los años 40. Cuando otro capo, Sollozzo, ofrece al Padrino participar en el tráfico de estupefacientes y éste rechaza el negocio, empieza una cruenta lucha entre las distintas “Familias”.

El carismático Don Vito está interpretado por Marlon Brando. En un principio el actor no era del agrado de la productora Paramount por su excéntrico comportamiento, de hecho el papel le fue propuesto anteriormente a Laurence Olivier. Aunque ante la insistencia de Coppola y Puzo para que Brando estuviera en la película, la productora cedió con la condición de que se le hiciera firmar un estricto contrato, además de realizar la audición para el papel como el resto de actores.

El otro protagonista de la película es Michael Corleone, interpretado por Al Pacino, sobre el cual también la Paramount tenía sus recelos, pero en su caso por ser un actor relativamente desconocido, habiéndose barajado para el personaje a actores de la talla de Robert Redford y Warren Beatty. Aunque Coppola se decantó finalmente por Pacino, que consiguió una nominación a los premios de la Academia al mejor actor de reparto por este papel.

Rayco Hernández Rodríguez

El crepúsculo de los dioses

2010-06-04T16:33:00.001+01:00

Título Original: Sunset Boulevard

Director: Billy Wilder

Año: 1950

País: EE.UU.

Duración: 110 min.

Intérpretes: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Jack Webb, Lloyd Gough, Cecil B. DeMille, Hedda Hopper, Buster Keaton.

“Es curiosa la amabilidad de la gente cuando estás muerto”

Joe Gillis (William Holden) y Norma Desmond (Gloria Swanson) se conocen por casualidad, forjándose entre ellos una relación, lo menos, bizarra y vampiresca, dentro de un marco caótico, inquietante y deslumbrante a partes iguales. Él, un guionista al borde del fracaso llega a la mansión de Desmond -una brillante actriz del cine mudo olvidada hace ya demasiados años-huyendo de unos acreedores. Una trama que sirve como excusa para que magistralmente Wilder muestre la cara oculta de Hollywood, nunca antes vista: la de la tiranía de los cánones de belleza, el olvido repentino de las estrellas por el paso del cine mudo al sonoro y el juego dialéctico entre la juventud y la madurez, entre otros temas.

Todos los elementos que constituyen el filme están cuidadosamente elegidos. La casa de Desmond es una triste metáfora de sí misma. Una casa más propia de una película de terror (no es baladí su relación con Drácula), sombría, dejada al paso del tiempo; cuyo aspecto interior es su antónimo: llena de lujo y de ostentación es como una burbuja que el tiempo no logra traspasar. La doble imagen es una representación de la propia actriz, que se encuentra encandilada por la gran mentira que es su vida, sostenida por otro de los grandes personajes, Max.

Encarnado por Erich von Stroheim, Max es el mayordomo y ex-marido de la actriz y, pese a su frialdad, toda su función consiste en mantener en pie el débil castillo de naipes, mantener la compostura aunque la locura se haya impuesto sobre todo lo establecido cuidadosamente.

Es de gran interés recaer en la profundidad psicológica de los personajes. Puede verse a mediante otro de los aspectos de relevancia que muestra el filme: la desigualdad de género para las estrellas. Mientras que muchos actores han hecho dinero en su madurez, las mujeres han quedado olvidadas al no cumplir parte de las exigencias del american dream, que elogia la belleza de la eterna juventud. Gloria Swanson que interpreta a su personaje de manera meditadamente exagerada (lo que contrasta con el comedimiento de Holden), con el lenguaje corporal propio del cine de otra época, refleja su propia situación a través de Norma Desmond, cuyo ocaso es el propio de toda la industria del cine mudo, al cual Wilder hace un amargo y espléndido homenaje con apariciones de un envejecido Buster Keaton o un guiño a Chaplin.

Nuevamente, una imagen vale más que mil palabras, insuficientes de todos modos para describir la riqueza del filme. Es propio considerar el gran interés didáctico, ya que muestra muchos de los elementos constituyentes del mundo cinematográfico (como la burocratización del séptimo arte o la grabación real de Sanson y Dalila, de De Mille, en 1950) o la calidad y originalidad estética. Ello, junto a la ironía, cruzada con una profunda y cruel reflexión sobre la cara y la cruz de la industria hollywoodiense de la segunda mitad del siglo XX y una espléndida batuta de Wilder, hacen de Sunset Boulevard, sin lugar a dudas,una de las inmortales del patrimonio cinematográfico.

Marina Herváz Muñoz

Desayuno con diamantes

2010-06-04T16:29:00.001+01:00

Director: Blake Edwards

Año: 1961

País: E.E.U.U.

Duración: 115 min.

Intérpretes: Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Buddy Ebsen, Martin Balsam, Mickey Rooney, José Luis de Vilallonga, John McGiver.

“Soy como este gato. Somos un par de infelices sin nombre”

La vida de Holly Golightly, una neoyorquina tan bella como alocada, consiste en acudir a fiestas, reuniones y cenas donde los hombres le dan 50 dólares para ir al tocador. A pesar del glamour que la rodea, lo cierto es que es una buscavidas que sueña con un futuro mejor, en el cual pueda acudir cada día a Tiffanys, y no sólo para desayunar ante el escaparate.

Desde el momento en que el escritor Paul Varjak se muda al piso de arriba, surge una amistad entre Holly y él que le llevará a intentar descubrir qué es lo que se oculta realmente detrás de la aparente frivolidad de la joven.

Se trata de una adaptación bastante libre de la novela "Breakfast at Tiffany's" (1958), de Truman Capote, quien pretendió que el papel protagonista fuera para Marilyn Monroe.

Afortunadamente, el empeño del director Blake Edwards en que fuera Audrey Hepburn la que interpretara a Holly, nos ha permitido disfrutar de una actuación inolvidable. Para Hepburn supuso el papel más complejo de su carrera, y el consolidarse como un icono del cine. No se puede imaginar la película sin ella.

Una de las mayores controversias relacionadas con “Desayuno con diamantes” viene dada por el hecho de que en ella se maquilla demasiado el relato de Capote para darle tintes hollywoodienses. El hecho de que Holly Golightly podría ser en realidad una prostituta de lujo y Paul Varjak un gigoló, es algo que sólo se insinúa en la película, bastante más dulcificada que la trama original. Si en lugar de en el Hollywood de los años 60, se hubiera rodado en la actualidad, podríamos haber visto algo muy diferente.

La maravillosa banda sonora compuesta por Henry Mancini, de la que destaca el célebre tema “Moon River”, sello inconfundible del filme, hizo ganar a la película dos premios Oscar: “Mejor Banda Sonora” y “Mejor Canción”. Curiosamente, la escena en la que Audrey interpreta este tema con la guitarra estuvo a punto de desaparecer del montaje final.

Por suerte, la insistencia de la actriz aseguró su permanencia. “Desayuno con diamantes” es una historia de sueños que no se cumplen. De cruda realidad, de lo que creemos que deseamos y lo que realmente nos hace felices. También es una historia de abandonos, y de llegar a conocer nuestra verdadera identidad.

Hay quien piensa que esta película no debería incluirse entre los clásicos del cine, por su aire a Hollywood y a cuento de hadas. Hay que saber ver más allá de la superficie. Holly es una luchadora. Lo que desea es complejo, y a la vez muy simple. Sólo quiere dejar de ser ése gato sin nombre.

Judith Noda Mayor

La ventana indiscreta

2010-06-04T16:23:00.001+01:00

Director: Alfred Hitchcock.

Título original: Rear Window.

Año: 1954.

País: Estados Unidos.

Duración: 112 min.

Intérpretes: James Stewart, Grace Kelly, Wendell Corey, Thelma Ritter.

Fotografía: Robert Burks.

“Aquí descansan los huesos rotos de L. B. Jefferies”

Estamos ante una adaptación del relato corto “It Had to Be Murder” de Cornel Woodrich, en la cual Hitchcock se vale de un único y reducido escenario para mostrarnos la vida cotidiana de un peculiar vecindario.

Con una aparente simpleza en los planos y utilizando una serie de, sencillos, pero novedosos para su época, recursos cinematográficos, crea un ambiente de suspense que se mantiene latente a lo largo de la historia.

L.B Jeffries (James Stewart) es un periodista fotográfico, que debido a una pierna fracturada, se entretiene día tras día observando detenidamente a través del ventanal de su apartamento lo que ocurre en las casas de sus vecinos. Cuando, en una de tantas noches en vela, Jeffries cree ser testigo de un crimen pasional, su entretenimiento se convierte en una obsesión, y atrapa en ella a su enfermera (Thelma Ritter) y a su novia Lisa (Grace Kelly), quien se llega a involucrar hasta el punto de que su vida corre peligro.

Aparte del suspense de la trama principal, Hitchcock nos muestra, en cada una de esas ventanas que Jeffries tiene por pantallas de cine, diferentes tipos de sentimientos amorosos; como la pasión de una pareja de recién casados, el anhelo de amor de la cuarentona de turno, o el flirteo con apuestos caballeros de una joven promesa del baile.

Como curiosidad, originalmente Hitchcock iba a rodar en Greenwich Village, pero considerando que los resultados no eran satisfactorios, decidió levantar unos voluminosos decorados a tamaño real en el estudio 18 de la Paramount, los más grandes que se habían levantado nunca en la productora. Dado que la altura del estudio no era suficiente, el director decidió desmontar el suelo y construir el patio a la altura del sótano, mientras que el piso del fotógrafo estaba al nivel del suelo. Un complejo sistema de iluminación era capaz de simular el día y la noche, el alba y el atardecer.

No podemos olvidar apuntar la aparición del director, que, como en todas sus películas hace un breve cameo, en este caso, reparando el reloj del joven pianista que vive al lado del protagonista.

La tensa narración, la magnífica utilización del tiempo, el estupendo acompañamiento de la música o la brillante fotografía de Robert Burks hacen de esta una de las mejores obras del más que conocido autor inglés.

No sean tímidos. Dejen salir al pequeño Hitchcock que llevan dentro y echen un vistazo a través de su ventana...

Aaron Nast Curbelo Moreno

Ciudadano Kane

2010-06-03T23:48:00.001+01:00

Director: Orson Welles
Año: 1941
País: EEUU
Duración: 119 min.
Intérpretes: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Comingore, Ray Collins, Agnes Moorehead, Paul Stewart, Ruth Warrick, Erskine Sanford, William Alland, Alan Ladd

“No traspassing”

   Un multimillonario magnate de los medios de comunicación estadounidenses, Charles oster Kane, muere en su inmenso castillo, tras pronunciar la que sería su última palabra en vida, “Rosebud”. Alentados por una curiosidad latente en todo el país, un grupo de periodistas propondrá darle un sentido a la enigmática palabra, investigando la vida del popular personaje, con entrevistas a muchas de las personas que formaron parte ella. Abandonada la búsqueda por falta de resultados, sólo el espectador descubrirá el misterio.

   Dirigida, escrita, producida y protagonizada por el jovencísimo y talentoso Orson Welles, su ópera prima, “Ciudadano Kane”, se ha convertido en una obra maestra de la historia del cine. Técnicamente es de una calidad asombrosa, utilizando de una manera magistral la profundidad de campo, una iluminación altamente contrastada, derivada del expresionismo alemán, juegos de perspectiva, y un gran uso de los movimientos de cámara.

   Como recurso narrativo utiliza el de un relato fragmentado en gran cantidad de flashbacks, empezando la historia por el final.

   Cabe destacar el trabajo del fotógrafo a Gregg Toland, conocido por sus colaboraciones con John Ford, el músico Bernard Herrmann, que acabaría siendo uno de los compositores más característicos de Hitchcock, Herman Mankiewicz con el que Orson escribió el guión, y un gran reparto de actores noveles en el territorio cinematográfico, como Agnes Moorehead en el papel de madre de Kane, Joseph Cotten en el de su mejor amigo y por supuesto, el de Welles como el protagonista. En su época, el film no obtuvo una gran acogida por parte del público, y ganó sólo un óscar de nueve nominaciones al mejor guión original.

   La película hace un retrato del protagonista que va más allá de sus hechos biográficos, tocando temas tan importantes como la soledad, la nostalgia, la ambición y el remordimiento, estando patente la idea de lo imposible de penetrar en la mentalidad humana. Marcó un antes y un después en la historia del cine y en nuestro ciclo, es una cinta imprescindible

Noelia Rodríguez Hernández

El Cine que ya debías haber visto

2010-06-03T23:30:00.000+01:00

El Aula De Cine en colaboración con el Ayuntamiento de La Laguna Presenta:

Del día 10 al 18 de Junio a las 20:00 en el salón de actos del antiguo convento de Santo Domingo.

No puedes perderte estas cinco películas que forman parte de las imprescindibles de la historia del cine.

MUESTRA DE CORTOMETRAJES 2010 AULA DE CINE ULL

2010-05-07T00:46:00.020+01:00

Sala “Tomas y Valiente” 1º Planta Facultad de Derecho ULL, Guajara.

Las proyecciones comenzarán a las 19:00.

Lunes 10 de Mayo.

El Monstruo del Sebadal. Josemi de Alonso

Quishoo. Luis Martin.

Sueño fronterizo. David Delgado

Negritud. Patrick Bencomo.

El último superviviente canario. Tosco.

Martes 11 Mayo.

Lex talionis. Idafe Hernández.

Supernova. Xerach Cruz.

Algo que aprender. Maria Eugenia Arteaga.

María. Jose Moreno Gil, Isabel Reyes y Nayra Espósito.

Dime que yo. Mateo Gil.

Miercoles 12 Mayo.

Paseo por Guet N'dar. Jaime R. Friend.

Il mondo mio. Javier Estella y José Manuel Fandos.

Contratiempo. David Cánovas.

“Aun por confirmar” Alby Ojeda.

Akira

2010-04-15T21:28:00.001+01:00

Título original: Akira
Año: 1988
Duración: 124min.
País: Japón
Director: Katsuhiro Ôtomo
Guión: Katsuhiro Ôtomo e Izo Hashimoto
Música: Shoji Yamashiro

“Llegará un día en el que nosotros también seremos. Ese día no ha llegado.”

Año 2019. Neo-Tokyo, una ciudad construida sobre la antigua capital japonesa destruida tras la Tercera Guerra Mundial. Japón es un país al borde del colapso enfrentado en continuas crisis políticas. En secreto, un equipo de científicos ha reactivado por orden del ejército un experimento para encontrar a sujetos que puedan controlar el arma definitiva: una fuerza denominada "la energía absoluta". Pero los habitantes de Neo-Tokyo tienen otras cosas de las que preocuparse. Uno de ellos es Kaneda, un joven pandillero líder de una banda de motoristas. Durante una pelea, su mejor amigo, Tetsuo, sufre un extraño accidente y termina ingresado en unas instalaciones militares. Allí los científicos descubrirán que es el poseedor de la energía absoluta. Pero Tetsuo no se resignará a convertirse en un conejillo de indias... y muy pronto se convertirá en la amenaza más grande que el mundo ha conocido.

Akira es una película de animación japonesa basada en el manga homónimo. Ambos trabajos tuvieron un reconocimiento instantáneo como clásicos dentro de sus respectivos géneros. El manga de más de dos mil páginas fue escrito y dibujado por Katsuhiro Ôtomo entre 1982 y 1993 consiguiendo así un reconocimiento significativo a nivel internacional. En 1984 obtuvo el Premio Kodansha al mejor manga en la categoría general.

El largometraje fue rodado cinco años antes de que se terminara de escribir el manga y por ello no sigue del todo la misma línea argumental. Lo más respetado en la película del cómic original es la ambientación de la ciudad futurista de Neo-Tokio. El ambiente de anarquía y desorden que reina en la ciudad es perfectamente transmitido al espectador siendo esa la mejor y más importante característica de la película.

Akira es uno de los grandes éxitos del cine de animación japonés, basado en un popular cómic del propio director Otomo, uno de los dibujantes más conocidos de Japón. En un intento por sobrepasar fronteras, la película fue en toda regla una superproducción del país asiático obtuvo excelentes críticas tanto por su impactante historia como por su impecable e imaginativo estilo visual. En definitiva, una obra clave del cine manga que convirtió en una notable influencia del cine de animación y digital asiático de los noventa.

Tamara B.F.

Tron

2010-04-15T00:59:00.000+01:00

Director: Steven Lisberger
Año: 1982
País: Estados Unidos / Taiwán
Duración: 82 min.
Intérpretes: Jeff Bridges, Bruce Boxleitner,, David Warner, Cindy Morgan, Dan Shor

“Cuidado con las macros ocultas”

La vida de Kevin Flynn cambia radicalmente cuando se ve obligado a abandonar su puesto de diseñador de videojuegos y programas en la empresa en la que trabaja. Cuando se da cuenta de que todo su trabajo ha sido usurpado por el siniestro señor Dillinger, Kevin decide esfumarse para, posteriormente, reaparecer como dueño de una sala de recreativos. Allí da rienda suelta a su imaginación, sintiéndose libre de ataduras y diseñando sus propios juegos. Sin embargo, todavía le queda por ajustar cuentas con Dillinger. El empresario habrá ganado la batalla, pero la guerra todavía no ha terminado.

Con el fin de llevar a cabo su revancha, Kevin logra contactar con dos de sus antiguos compañeros. Es así como inicia su amistad con Alan y Lora, quienes le ponen al día de los últimos cambios que se están produciendo en su empresa. La puesta en marcha de un programa de inteligencia artificial (CCP) ha dejado a sus nuevos amigos sin trabajo, y Kevin cree que, tal vez, investigando sobre las características del nuevo proyecto, pueda encontrar pruebas que le permitan dejar en evidencia a su antiguo jefe.

No obstante, tras infiltrarse en la sede de la compañía, Kevin es “secuestrado” por la CCP, quedando atrapado dentro de un asombroso mundo digital. Allí la CCP gobierna de forma autoritaria sobre los demás programas de ordenador, valiéndose de una recreación de Dillinger que, al estilo de una eminencia gris, actúa como su brazo ejecutor.

La batalla final ha comenzado. Kevin sólo dispondrá de una oportunidad para derrotar a Dillinger y destruir a la siniestra CCP. Su reputación y el destino de ambos mundos (el real y el digital) está en sus manos. ¿Lo conseguirá?

`Protagonizada por el recientemente oscarizado Jeff Bridges (el simpático Nota de El Gran Lebowski), Tron supone un hito dentro del Séptimo Arte, empleando para su realización toda una amplia gama de efectos digitales que significaron el desarrollo de esta industria. Aunque su estreno no tuvo el éxito esperado, su legado puede verse en las múltiples referencias que han llegado hasta a nosotros gracias a la cultura popular, destacando la célebre carrera de motos parodiada en Padre de Familia; o la representación de la CCP en la divertida e irreverente South Park, en la que el villano digital presta su fisonomía al profeta bíblico Moisés.

Daniel Hernández Rodríguez

Stalker

2010-04-15T00:52:00.005+01:00

Director: Andre Tarkovski
Año: 1979
País: Unión Soviética
Duración: 163 min
Intérpretes: Alexander Kaidanovsky, Anatoli Solonitsyn, Nikolai Grinko y Alisa Freindlich.

“A veces creo que mis libros podrían ser beneficiosos para alguien... ¡No! Nadie me necesita para nada”.

Nadie sabe como surgió, pero lo cierto es que La Zona existe. Son muchos los que tratan de entrar en ella, pero muy pocos consiguen volver. Únicamente los stalkers pueden adentrarse en La Zona sin temor a caer víctimas de la confusión y la paranoia... hasta que finalmente ellos también sucumben ante la desesperanza.

Pero La Zona supone un objetivo muy apetecible para los viajeros que pernoctan en esa ciudad-fronteriza sumida por el caos y el desorden. Pese al rechazo de los stalkers a regresar a ese enigmático lugar, la pobreza y la necesidad les empujan a seguir haciendo de guías. Son tiempos oscuros. La herrumbre se ha apoderado de toda la ciudad y cualquier ayuda es poca para sobrevivir. Poco importan los horrores de los que serán testigos stalkers y viajeros cuando visiten su misterioso destino. Al fin y al cabo, mañana será otro día más, tal vez borrado de la memoria por culpa del alcohol y la miseria.

¿Qué hay de cierto en los rumores que corren sobre La Zona? ¿Es verdad que puede hacer que nuestros deseos se hagan realidad? ¿Es posible que, en medio de un mundo devastado, todavía haya hombres ebrios de poder?

Stalker nos traslada a un mundo triste y gris, casi de color sepia, en el que vemos a unos personajes moviéndose en una vida en la que la desesperanza es la nota predominante. El lirismo y la poesía de Tarkovski cobran aquí un sorprendente significado. La condición humana es puesta en tela de juicio, mientras vemos como la solapada guerra entre la Ciencia y el Humanismo terminará en tablas. Todo ello dotado con ese extraño aire de melancolía que sólo pueden darnos las imágenes en blanco y negro. En esta película no hay color, no hay alegría... Los mortecinos rostros de los protagonistas contrastan con esa naturaleza que ha logrado imponerse a las construcciones de los hombres. Sólo los arbustos que se alzan sobre los oxidados restos de los tanques y las ametralladoras nos recuerdan que el mundo todavía sigue en pie.

Stalker no es sólo una película de ciencia ficción. Su visionado nos pone en la antesala de los últimos años del régimen soviético, mostrándonos a una sociedad desencantada e incapaz de ser feliz. Las divergencias con el bloque occidental se habían recrudecido en esa época, los horrores de Afganistán estaban a punto de entrar en los hogares rusos y Chernóbil todavía quedaba muy lejos. Pero Tarkovski, en un escalofríante ejercicio de anticipación, supo adelantarse a la tragedia y enseñarnos un lugar en el que el tiempo y la memoria se han detenido, quizá con el propósito de devolver la esperanza a la Humanidad.

Daniel Hernández Rodríguez

Brazil

2010-04-12T14:07:00.002+01:00

Director: Terry Guillian

Año: 1985

País: Reino Unido

Duración: 131 min

Guión: Terry Guilliam, Tom Stoppard, Charles McKeown.

Reparto: Jonathan Pryce, Robert De Niro, Kim Greist, Michael Palin, Bob Hoskins.

“Hoy les quiero hablar de tuberías.”

Nos encontramos ante una película del conocido subgénero: “Distopias orwellianas surrealistas abigarradas tragicómicas” (“Inclasificables” para los colegas). Como ya adivinareis, es la única en su género. ¿Y que hace en un ciclo de ciencia ficción? Pues también tiene de eso.

En un futuro cercano, la sociedad por fin ha conseguido organizarse. Todo tiene su lugar, su procedimiento y su tiempo. Y puesto que los sentimientos son deslocalizados, caóticos y atemporales por naturaleza, son severamente reprimidos. Y hete aquí que un burócrata del montón (Jonathan Pryce), que hace su gris trabajo eficazmente, sueña con la libertad en forma de ángel amoroso (Kim Greist). Y su encuentro con un técnico ilegal que se salta los papeleos (Robert de Niro), hace que se aparte de la recta senda.

Terry Gilliam se refirió a esta película como la segunda de una (discutible) trilogía formada por “Time Bandits” (1981) y “Las aventuras del Barón Munchausen” (1989). Las tres películas mantienen como tema común la lucha por la imaginación y la libertad de pensamiento en un mundo que se opone a dichas ideas. Más allá de esta “trilogía” este tema subyace en todas, o casi todas, sus películas pasando a ser uno de sus sellos particulares junto al barroquismo onírico de su fotografía.

Como toda película de este director, no estuvo exenta de polémica. Aun después de rechazar ofertas de la Warner y la Paramount por no permitirle montar la película a su gusto, apareciendo una versión con recortes, otro final y casi una hora menos de metraje que aun hoy se retrasmite por algunas televisiones norteamericanas (pese a que en los cines se estrenó el montaje original). Tanto es así que aparecería mas tarde un libro y un documental de una hora, titulados ambos "The Battle for Brazil", que narran las aventuras y desventuras de Terry Gilliam para conseguir que su versión llegase intacta a la pantalla.

Sátira mordaz, oscura profecía de final etílico. El futuro está llegando y no nos va a gustar. Quien avisa, no es traidor.

ANTONIO HERVÁS MUÑOZ

Dark City

2010-04-11T13:36:00.002+01:00

Director: Alex Proyas

Año: 1998

País: EEUU

Duración: 100 min

Intérpretes: Rufus Sewell, Kiefer Sutherland, William Hurt, Jennifer Connelly, Richard O'Brien, Ian Richardson, Colin Friels, Melissa George.

“¿Qué clase de psicópata homicida salvaría a un pececill?”

John Murdoch se despierta solo en un extraño hotel. Comprueba que ha perdido la memoria y es perseguido como el autor de una serie de sádicos y brutales asesinatos. Mientras intenta juntar las piezas que componen el puzzle de su pasado, descubre un submundo habitado por unos seres que controlan la ciudad sin que sus habitantes tengan conciencia de ello.

El irregular director australiano Alex Proyas, autor de películas como “El cuervo”, con la que alcanzó la fama; o de la decepcionante “Señales del futuro”, nos presenta una película inquietante y enigmática.

“Dark City” es, sin duda, la mejor obra de Proyas, que sin llegar a ser una obra maestra, ha sido injustamente infravalorada dentro del cine de ciencia ficción moderno, hablándonos de la manipulación de la mente del ser humano por fuerzas exteriores a él.

El mismo ingrediente principal que compartía con otras películas que se estrenaron durante ese año, como el “Show de Truman” o “Matrix”, aunque “Dark City” se desmarca de las anteriores, gracias a su oscura ambientación, muy similar a la de “El cuervo”, aunque esta vez con un ligero toque de cine negro y de artificialidad que hará mas patente la sensación de inquietud, de que algo no anda bien en esta ciudad.

La música de Trevor Jones acompaña muy bien a la desconcertante historia que se desarrolla ante nosotros, donde destacan los papeles interpretados por Rufus Sewell, el torturado John Murdoch, (increíbles sus ojos neuróticos) y por Jennifer Connelly.

En definitiva, una película que aunque apenas hizo ruido, sin duda mereció mas reconocimiento y que a pesar de las odiosas comparaciones, sobre todo con Matrix, no deja de ser una obra original, novedosa y, por encima de todo, bien pensada.

RAYCO HERNÁNDEZ RODRÍGUEZ

CIENCIA FICCION

2010-04-09T21:42:00.005+01:00

"Dark City", Alex Proyas

“Brazil”, de Terry Gilliam.

”Stalker”, de Andrei Tarkovsky.

“Tron”, de Steven Lisberger.

"Akira” , de Katsumiro Otomo

MUESTRA DE CORTROMETRAJES DEL AULA DE CINE DE LA ULL 2010

2010-03-08T12:25:00.007Z

La finalidad de la muestra consiste en promover y difundir las creaciones audiovisuales, de manera que su riqueza artística acreciente y fortalezca la cultura regional.

BASES PARA LA PRESENTACIÓN DE TRABAJOS:
1º Abierta a todos los realizadores mayores de 18 años. Pudiendo ser creaciones individuales o colectivas, sin distinción de nacionalidad o residencia.

2º Los trabajos se podrán presentar a partir del 8 de marzo vía correo certificado (No vía e-mail) a la siguiente dirección,

Aula de Cine
Vicerrectorado de Relaciones Universidad y Sociedad
c/Viana, nº50
38201 La Laguna

Fecha limite de entrega: 23 de abril (No se considerará válida esta fecha en el matasellos si llega mucho más tarde de la fecha).
Cabe la posibilidad de poneros en contacto con algún miembro del aula de cine para entrega en mano.
El encabezamiento deberá decir: Muestra de cortometrajes Aula de Cine ULL.

3º La temática será a libre elección del realizador.

4º Se considera fecha de presentación la correspondiente al matasellos. La organización no asume ninguna responsabilidad por los daños o desperfectos que las obras presentadas puedan sufrir en tales envíos, cuyos gastos correrán a cargo de los concursantes. Las copias formarán parte del Archivo audiovisual del Aula de Cine de ULL respetándose la totalidad de los derechos de cada obra a menos que se especifique lo contrario en cuyo caso se destruirá después de la muestra.

5º Los trabajos podrán ser realizados en vídeo, digital, 8 mm, 16mm, 35 mm etc. es decir podrán ser creados con cualquier método audiovisual, pero presentados exclusivamente en formato DVD.

6º La duración máxima de los cortos será de 20 minutos. (No excluyente)
Las obras podrán estar realizadas en blanco y negro o color.
Pueden ser obras de animación, ficción, o documental.
En el caso que las obras tengan sonido hablado que no sea en idioma Castellano, deberá incluir subtítulos.
Los trabajos deben ser originales y no incluir ningún material visual o sonoro atado a derechos de autor.

7º Todos los trabajos deberán estar acompañados por una ficha con lo siguiente: un pequeño resumen del argumento, autor, duración, la autorización para su proyección, el acta de donación o no de la copia a la filmoteca del aula y un correo electrónico por si surgiera algún problema con la copia.

8º Si el número de trabajos superara los que, por tiempo, estamos capacitados a exhibir dentro de la muestra se hará una selección de los mismos que se anunciará por internet y al correo de los afectados.

9º Bajo ningún concepto se exhibirán obras que afecten o induzcan a quebrantar los conceptos de convivencia pacífica, DDHH, resulte ofensivo, racista o sexista.

10º El Aula de Cine de la ULL se reserva el derecho de admisión de cortometrajes en el caso de que éstos incumplan alguno de los puntos anteriormente nombrados o no reúnan los requisitos mínimos para su reproducción.

11º La organización se reserva el derecho de modificar cualquier artículo de los antes expuestos si las
circunstancias lo requieren, de ocurrir esto se daría oportuna publicidad.

Para dudas o consultas:
www.aulacineull.blogspot.com
www.auladecine.crearforo.com
auladecineull@yahoo.com

La fecha y el lugar de proyección están aun por confirmar pero pretendemos que empiece la muestra el 10 de mayo a poder ser en el paraninfo.

Cambio de Hora

2009-12-01T15:35:00.000Z

Debido a problemas ajenos al aula hemos tenido que cambiar en el último momento la hora de las proyecciones de hoy y de mañana pasando las películas de El Proyecto de la Bruja de Blair y El Resplandor a las 20:00, el lugar sigue siendo el mismo el Salón de Actos de la facultad de magisterio, el resto de días se mantendrá las 19:30. Sentimos este pequeño contratiempo y esperamos vuestra asistencia.

EL PROYECTO DE LAS BRUJAS DE BLAIR

2009-11-28T20:27:00.006Z

1 de diciembre de 2009 en el Salon de Actos de la Facultad de Magisterio a las 20:00

Dirección: Daniel Myrick y Eduardo Sánchez.

Año: 1999

País: EE. UU.

Duración: 86 minutos

Reparto: Heather Donahue, Joshua Leonard, Michael C. Williams, Bob Griffith, Jim King.

“Un año más tarde esta cinta fue encontrada."

La leyenda

A finales del Siglo XVII, varios niños de Blair, una localidad de Maryland, regresan a sus casas con varios cortes practicados por una mujer llamada Elly Kedward. Por este tipo de prácticas, Elly es considerada bruja y tras atarla a un carro, la abandonan en el bosque.

Debido al mal tiempo y a que nadie volvió a tener contacto con ella, es dada por muerta. A partir de este suceso empiezan a ocurrir cosas extrañas en Blair, lo que hace que los habitantes abandonen el pueblo.

Cuarenta años después se funda Burkittsville encima de la antigua Blair. Sus fundadores no conocen los sucesos anteriormente ocurridos , pero en Burkittsville también suceden numerosas desapariciones de niños que posteriormente son encontrados muertos. Los culpables dicen que sus actos se vieron motivados por la voz de una anciana que les susurraba dentro de su cabeza.

A destacar

A pesar del reparto amateur, que hace un excepcional esfuerzo enseñándonos la inquietante ruta abismal de su extravío geográfica y mentalmente, podemos destacar de la película el acertado manejo de la cámara, que nos pone en la piel de los protagonistas y confiere al largometraje una dimensión mucho más realista y dramático que en las demás. Hoy en día conocemos muchas películas que han utilizado este recurso, como por ejemplo “Rec” o “Paranormal Activity”.

El proyecto de la bruja de Blair

En la película “El proyecto de la bruja de Blair” se nos cuenta la historia de un grupo de chicos que buscan en un bosque las evidencias que confirmen la leyenda de la bruja de Blair.

Hay variedad de opiniones a cerca de si “El proyecto de la bruja de Blair”es una película de terror, miedo, horror... o no. La cinta se basa en el horror psicológico, por lo tanto los sucesos que van teniendo lugar sin que se sepa qué es lo que ha ocurrido y la reacción de los afectados es la verdadera fuente del miedo. No vamos a ver extrañas criaturas o escenas gores que dañen nuestra sensibilidad, sino una sutil muestra de terror de lo más elegante.

MANUEL LORENTE PÉREZ

ALIEN, El Octavo Pasajero

2009-11-28T14:21:00.005Z

4 de diciembre de 2009 en el Salon de Actos de la Facultad de Magisterio a las 19:30

Director: Ridley Scott

Nacionalidad: Reino Unido

Año: 1979

Duración: 117 min.

Guión: Dan O'Bannon [y David Giler, Walter Hill], según argumento de D. O'Bannon, Ronald Shusett

Fotografía: Derek Vanlint

Música: Jerry Goldsmith, Howard Hanson, Wolfgang Amadeus Mozart

Efectos especiales: Jean Moebius Giraud, Ron Cobb, Chris Foss (artistas conceptuales), H. R. Giger (diseñador alien), Carlo Rambaldi (efectos cabeza alien), Bob Keen (modelos)

Productores: Walter Hill, David Giler, Gordon Carroll para Brandywine Prod./20th Century Fox

Intérpretes: Tom Skerritt (Dallas), Sigourney Waever (Ripley), Veronica Cartwright (Lambert), Harry Dean Stanton (Brett), John Hurt (Kane), Ian Holm (Ash), Yaphet Kotto (Parker), Bolaji Badejo (Alien), Eddie Powell (Alien), Helen Horton (Madre [voz])

”En el espacio nadie escucha tus gritos.”

Imagina que no puedes salir de tu casa porque el aire de fuera es irrespirable, que tu perro se ha convertido en una maquina diseñada para matar y que, además, si lo atacas lo más probable es que toda tu casa se derrita.

La pobre suboficial Ripley (Sigourney Weaver) no corrió la misma suerte de poder imaginar esta situación pues recién despertada de la hibernación, en la nave espacial Nostromo, se entera de que no se dirigen al lugar previsto (La tierra), sino que se aproxima a un planeta desconocido siguiendo la señal de un ser vivo. Allí encuentran una extraña nave y un tripulante de la Nostromo es atacado por “algo”. A este algo, Ridley Scott decidió llamarlo: “Alien”.

A pesar de que en un principio se iba a presentar a un héroe masculino, luego se reemplazó el papel principal por el de una heroína (interpretada por la hasta entonces desconocida actriz teatral Sigourney Weaver). Después de su estreno, la película fue recompensada por el favor de la crítica y del público, dando origen a una larga nómina de imitaciones (especialmente italianas) y a tres secuelas, dirigidas cada una por un director: “Aliens” (1986) de James Cameron, “Alien³” (1992) de David Fincher y “Alien resurrection” (1997) de Jean-Pierre Jeunet. A esto habría que añadirle una precuela que el propio Ridley Scott prepara para el 2011.

Galardonada con el Oscar (1980) a los mejores efectos visuales y nominada a la mejor dirección artística (aparte de otros premios en otros festivales) gracias al magnifico trabajo del ilustrador y pintor suizo H.R. Giger. Su banda sonora está considerada una de las mejores de la historia del cine y su uso una gran novedad en el genero del terror. Sólo se usa cuando es necesaria, así que cuando suena es siempre por una buena razón.

Esta segunda obra de Ridley Scott basada en el cuento "Star Beast" de Dan O'Bannon e inspirada por películas como “It! The terror from beyond space” (1958, Edward L. Cahn) y “Terrore nello spazio” (1965, de Mario Bava); constituye el primer acercamiento de la ciencia ficción en el campo del terror moderno (o al revés). Puede que por eso, hoy en día, siga siendo una película tremendamente “actual” a la que parece que los años no le pasan factura. El terror que Scott quiso plasmar en su obra sigue intacto y muchas de las novedades que aportó al cine siguen siéndolo actualmente.

ANTONIO HERVÁS MUÑOZ

EL RESPLANDOR

2009-11-26T12:26:00.004Z

2 de diciembre de 2009 en el Salon de Actos de la Facultad de Magisterio a las 20:00

Director: Stanley Kubrick
Año: 1980
País: E.E.U.U.
Duración: 116 minutos
Intérpretes: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers, Barry Nelson, Philip Stone, Joe Turkel, Lia Beldman, Billie Gibson, Barry Denne, David Baxt, Manning Redwood, Kisa Burns, Louise Burns, Alison Coleridge, Norman Gay.

"Danny, existen lugares que son como las personas, unos resplandecen, y otros no"

Jack Torrance se traslada, junto a su mujer, Wendy, y a su introvertido hijo, Danny, al majestuoso hotel “Overlook”, del cual debe encargarse durante los fríos y solitarios meses de invierno. Torrance planea escribir una novela durante el tiempo libre que le deja el cuidado de las instalaciones del hotel. Sin embargo, pronto comienzan a suceder fenómenos paranormales en las habitaciones del extraño lugar en el que se encuentran aislados, que provocarán terribles trastornos en la mente de Jack.

Basada en la novela homónima de Stephen King, ésta película es considerada como la obra maldita de Stanley Kubrick, debido a la serie de infortunios que sucedieron durante el rodaje o a consecuencia del mismo, como el ingreso de la actriz Shelley Duvall en un psiquiátrico, tras las constantes presiones a las que la sometía el director.
Maldiciones aparte, “El Resplandor” es una obra maestra del terror, así como pionera en el uso de nuevas estrategias dentro del género. Más allá de la clásica penumbra y golpes de efecto, Kubrick hizo uso de la luz y de innovadores efectos sonoros que hasta el momento no se habían relacionado con el terror, consiguiendo una sensación de tensión constante en el espectador.

En el aspecto técnico, se caracteriza por una magnífica fotografía, además de por popularizar el uso de la steadicam y de movimientos de cámara poco habituales, lo cual le aporta aún más originalidad a la película.

En el plano de las actuaciones, hay que destacar el brillante trabajo de Jack Nicholson, cuyas miradas de psicópata y caras completamente desencajadas producen tantos escalofríos como sus desconcertantes silencios.

Desgraciadamente, a pesar de la obsesión del director por controlar la calidad de los doblajes, uno de los rasgos que suelen destacarse de “El resplandor” en España es el pésimo doblaje dirigido por Carlos Saura, con Verónica Forqué (elegida por el propio Kubrick) como protagonista femenina.

Una de las mayores controversias relacionadas con “El resplandor” es su poco claro final, que ha estado sujeto a distintas interpretaciones, dejando muchas preguntas sin responder. Algunos de estos cabos sueltos encuentran respuesta en una escena extra, que Kubrick decidió cortar debido a la larga duración de la película. Sin embargo, muchos preferimos que las cosas sigan en el aire, y que el final del filme quede incluido en la misma atmósfera de intriga y tensión que se respira durante el resto de la película.

JUDITH N. M.

RINGU

2009-11-25T16:25:00.005Z

3 de diciembre de 2009 en el Salon de Actos de la Facultad de Magisterio a las 19:30

Título original: Ringu

Título en España: The Ring (El Círculo)

Año: 1998

País: Japón

Género: Terror

Director: Hideo Nakata

Guión: Hiroshi Takahashi

Música: Kenji Kawai

Fotografía: Junichirô Hayashi

Reparto: Nanako Mutsushima, Miki Nakatani, Hiroyuki Sanada, Yuko Takeuchi, Hitomi Sato, Yoichi Numata.

En una tranquila y apacible localidad japonesa, circula una leyenda entre los estudiantes sobre una cinta de video que si la ves mueres a los siete días. Tras la extraña muerte de su sobrina, la periodista Reiko Asakawa comienza a investigar sobre los orígenes de dicha cinta de video y su leyenda.

Ringu es una película de terror adaptada de la novela del mismo título del escritor japonés Kôji Suzuki, la cual esta basada en el cuento popular nipón Banchō Sarayashiki. Tras el éxito inicial de la novela, la productora nipona Kadokawa Shoten decidió sacar una versión cinematográfica. El guionista Hiroshi Takahashi y el director Hideo Nakata colaboraron en su adaptación tras leer la novela y ver su versión televisiva de 1995 Ringu: Kanzen-ban. En su totalidad el trabajo de producción llevo nueve meses y cinco semanas. Además de la serie de dicha, Ringu tiene dos secuelas y una precuela en Japón: Ringu 2, Rasen y Ringu 0. También fue filmada una versión coreana llamada The Ring Virus y en 2002 se hizo otro remake americano.

Para los fans del J-Horror, con esta película comienza una nueva ola de cine de terror japonés y ha abierto para occidente un sin fin de películas extraordinarias como por ejemplo: Ju-on, Dark Water, The eye, etc. Las cuales ya tienen su versión occidental e incluso secuelas. Aunque algunos crean que la idea de Ringu pueda ser original, es algo que no es del todo cierto, pues en 1983 una película americana llamada Videodrome abordaba ya algunos aspectos que muestran en Ringu, aunque 15 años más tarde esta aparece como algo totalmente nuevo

En 1999 Ringu ganó varios premios nacionales e internacioles: Premio de Popularidad en Japón, en el Festival de Fant-Asia Premio a la Mejor Película Asiática, Festival de Fantasía de Bruselas El cuervo de Oro y ganadora en el Festival de Sitges a la Mejor Película y los Mejores Efectos Visuales.

Ringu supone la plena madurez del cine de terror japonés. Considerada por muchos una de las películas clave del cine de fantasmas y terror psicológico, tiene un argumento simple que cumple con creces su objetivo y consigue en incontables momentos atemorizar al público y conseguir que un escalofrío recorra la espalda. Solamente se puede decir que esta película es simplemente espectacular, ya que te mantiene ocupado en el cine por su originalidad, su inteligencia y aquel sutil terror que perdura en la mente del espectador.

TAMARA B.F.

THREE... EXTREMES

2009-11-23T12:15:00.003Z

30 noviembre de 2009 en el Salon de Actos de la Facultad de Magisterio a las 19:30

Título original: 三更２(Saam Gaang Yi)
Título en España: Three... Extremes
Género: Terror
Año: 2004
Países: China, Corea del Sur, Japón
Directores: Fruit Chan, Park Chan-Wook, Takashi Miike
Guión: Haruko Fukushima, Park Chan-Wook, Lilian Lee
Música: Kwong Wing Chan, Kôji Endô
Fotografía: Koichi Kawakami, Chung Chung-Hoon, Christopher Doyle
Reparto: Bai Ling, Pauline Lau, Tony Leung Ka Fai, Meme Tian, Miriam
Yeung Chin Wah, Sum-Yeung Wong, Kam-Mui Fung, Wai-Man Wu,
Chak-Man Ho, Miki Yeung, So-Fun Wong, Kai-Piu Yau, Byung-hun Lee,
Won-hie Lim, Hye-jeong Kang, Dae-yeon Lee, Gene Woo Park, Mi Mi
Lee, Gyu-sik Kim, Jung-ah Yum, Kyoko Hasegawa, Atsuro Watabe, Mai
Suzuki, Yuu Suzuki, Mitsuru Akaboshi, Lee Jun Goo

* * * *

El miedo es una de las emociones más primarias de aquellas que se manifiestan en el ser humano, y es especialmente interesante por la íntima conexión que logra establecer con todo aquello que nos constituye como individuos. El miedo se puede presentar en cualquier momento, puede ser desencadenado por multitud de estímulos diversos y puede hacernos mella utilizando los recursos que nuestra propia mente le facilita; el miedo habita en nosotros, acechando, dormitando en compañía de nuestros más oscuros secretos, de nuestros sentimientos inconfesados o de nuestras aversiones infantiles por largo tiempo olvidadas. El miedo se nutre del imaginario colectivo, de las historias susurradas alrededor de las hogueras desde el alba de los tiempos, de las mentiras que los adultos vierten sobre los niños asustadizos, de los temores que nacen en las noches de viento, truenos y tormenta en las que se desencadena la furia de los espíritus primigenios.

El terror es la expresión máxima del miedo, una angustia sin parangón a la que nos enfrentamos en pocos momentos de nuestra existencia. Contra el sentimiento de terror nada se puede hacer, es el abandono definitivo de nuestra racionalidad a favor de nuestra más profunda animalidad. Lo único que prima es la huida, si es que antes no quedamos paralizados por el pavoroso espanto con el que nos enfrentamos. Y esto es, precisamente, lo que intenta el cine de terror mediante su peculiar lenguaje, razón que nos ha hecho elegir a esta película como apertura para un ciclo de esta temática, pues en ella se pueden observar tres historias con una simbología totalmente distinta pero que intentan atraer al espectador a la misma reacción límite.

La película está dividida en tres segmentos, cada uno de ellos dirigido por un director asiático de distinta procedencia y con distinta forma de entender el cine de terror y su propio universo discursivo. Se inserta

dentro del cine de terror oriental que, como todo lo oriental en los tiempos que corren, se vende en occidente con un sello de distinción y de buen hacer que sólo contribuye a alimentar cada vez más la fiebre por Asia.

Esto no quiere decir que esta producción carezca de calidad pero sí que es cierto que a buena parte del público la película le ha dejado un sabor de boca bastante 'ambiguo'. Se puede hacer una sencilla discriminación de cada uno de los segmentos acorde a su calidad tanto cinematográfica como de narración y comunicación de la sensación más pura de terror, dando la sensación de estar viendo algunas escenas (o incluso segmentos, dirían algunos) que son puro relleno de metraje. Y esto es, probablemente, porque no se enfoca el terror de una forma directa y universal, sino que suele quedarse jugueteando con algunas situaciones límite dentro de una explosión estética con bastante vitalidad e intensidad pero muy poca uniformidad.

Quizás, si se hubieran elegido otros directores u otros lenguajes se podría haber hecho una producción mejor vertebrada y con una sensación final algo distinta. No creemos que sea para quejarse, de todas formas, dado el panorama del cine más actual y comercial, pero sí que es cierto que podría haberse exprimido mucho más la genial idea que está detrás de esta producción.

TERROR ANTES DE NAVIDAD

2009-11-18T12:52:00.000Z

¿Preparado para sufrir el terror justo antes de navidad?

El Aula de Cine de la ULL presenta, del 30 de noviembre al 4 de diciembre:

PELICULAS

Todas las películas serán proyectadas en el Salón de Actos de la Facultad de Magisterio a las 19:30 horas, en Versión Original Subtitulada de ser posible. Entrada gratuita.

RESERVOR DOGS

2009-10-23T15:36:00.004+01:00

30 octubre de 2009 en el Salon de Actos de la Facultad de Magisterio a las 19:30

Director: Quentin Tarantino

Género: Acción

Año: 1992

País: EE. UU.

Duración: 94 minutos

Reparto: Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen, Christopher Penn, Steve Buscemi

“Estas escuchando a K-Billy y el supersonido de los 70, sigue en la onda... “

El cine del señor Tarantino tiene la curiosa cualidad de nunca deja indiferente, o te apasiona... o lo odias a muerte.

Y quizás sea porque sus detractores prefieren películas con profundas reflexiones sobre la vida y el ser humano, de esas con mucho “mensaje”. Por contra encuentran un argumento sencillo con grandes dosis de sangre, música setentera y humor negro, tratado con una brillantez difícil de lograr.

Estos elementos y su curiosa forma de tratar las historias de sus películas, son el sello inconfundible de Tarantino, ingredientes presentes en Reservoir Dogs y que encontraremos en todas sus películas posteriores. Es por ello que su primera película se hace imprescindible verla para así entender la particular visión del cine de Tarantino.

Reservoir Dogs nos cuenta la historia de grupo de atracadores al que un robo, en principio sencillo, se convierte en un sangriento tiroteo con la policía que les estaba esperando. Tras esto, los supervivientes se dirigen al punto de encuentro con la certeza de que alguien les ha traicionado.

Una historia simple a mas no poder, pero con una tensión endiablada, unos diálogos insuperables y con una puesta en escena que recuerda a una obra de teatro, ya que la mayor parte de la historia se desarrolla en un pequeño almacén del que solo saldremos en diversos flash-backs en los que conoceremos algo más sobre los protagonistas y que le da solidez a la historia que poco a poco se nos va desvelando.

Hay que destacar el gran trabajo del cuarteto de protagonistas, Harvey Keitel, Steve Buscemi, Michael Madsen y Tim Roth.

Y todo ello llevado a cabo con unos recursos bastante limitados y un presupuesto mas que ajustado, pese a lo cual Tarantino consigue sacar adelante su opera prima, una de las mejores de los años 90.

RAYCO HERNÁNDEZ RODRÍGUEZ

EL BOLA

2009-10-22T21:15:00.003+01:00

29 octubre de 2009 en el Salon de Actos de la Facultad de Magisterio a las 19:30

Si eres un estudiante erasmus y quieres ver las peliculas españolas con subtitulos simplemente haznoslo saber y los ponemos sin ningun problema.

Año: 2000
Duración: 83 min.
País: España
Director: Achero Mañas
Guión: Achero Mañas y Verónica Fernández
Música: Eduardo Arbide
Fotografía: Juan Carlos Gómez
Reparto: Juan José Ballesta, Pablo Galán, Manuel Morón, Alberto Jiménez, Ana Wagener, Nieve de Medina, Gloria Muñoz, Javier Lago, Omar Muñoz, Soledad Osorio

El Bola es un chaval de 12 años que vive una atmósfera violenta y sórdida. Su situación familiar, que oculta avergonzado, le incapacita para relacionarse y comunicarse con otros chicos. La llegada de un nuevo compañero al colegio, con quien descubre la amistad, y la posibilidad que ello le brinda de conocer una realidad familiar distinta por completo, le darán fuerzas para aceptar y finalmente ser capaz de enfrentarse a la suya.

Achero Mañas nació en Madrid el 5 de septiembre de 1966 hijo de la actriz Paloma Lorena y del dramaturgo Alfredo Mañas, pasó su infancia y adolescencia rodeado del ambiente del teatro, la literatura y el arte, hecho quedó totalmente reflejado en su personalidad. Tras cursar bachillerato estudia tres años pintura, durante los cuales participa como actor en algunas obras de teatro y realiza algún papel esporádico en el cine como por ejemplo en la película Las aventuras de Enrique y Ana.

En 1984 se va vivir un año a Nueva York, allí estudia teatro durante un año en la escuela Real Stage. A su regreso de EEUU en Madrid retoma su carrera de actor llegando a trabajar con directores de prestigio como Adolfo Aristarain, Carlos Saura o Ridley Scott. En 1997 tras el éxito de su tercer y último cortometraje Paraísos Artificiales, comienza a escribir la historia de El Bola, obra que se convertirá en su primer largometraje. La película se estrena en el 2001 recibe una buena acogida entre el público y la crítica. El Bola recibe cuatro Goyas: mejor película, mejor director novel, mejor actor revelación y mejor guión original. También consigue otros premios internacionales: ganadora del mejor guión en el Festival de Sundance y del Plato de Oro de la Familia en Italia.

El Bola sigue la mejor tradición del cine naturalista y realista, sencillo, con una historia cercana y comprensible dónde se contrapone el mundo adulto al infantil, mostrándose ambas caras que se atraen tanto como se repelen, transmitiendo al espectador rabia moral, angustia, desazón, implicación emocional y todas esas sensaciones que sólo el buen cine sabe reflejar. La película es en resumen una intensa mirada a un barrio obrero y a los diferentes modelos de convivencia de sus habitantes.

TAMARA B.F.

Ver resto del ciclo

INTACTO

2009-10-21T20:08:00.003+01:00

28 octubre de 2009 en el Salon de Actos de la Facultad de Magisterio a las 19:30

Si eres un estudiante erasmus y quieres ver las peliculas españolas con subtitulos simplemente haznoslo saber y los ponemos sin ningun problema.

AÑO: 2001
DURACIÓN: 108 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Juan Carlos Fresnadillo
GUIÓN: Andrés Koppel y Juan Carlos Fresnadillo
MÚSICA: Lucio Godoy
FOTOGRAFÍA: Xavier Giménez
REPARTO: Leonardo Sbaraglia, Eusebio Poncela, Mónica López, Antonio Dechent, Max Von Sydow, Guillermo Toledo, Marisa Lull, Andrea San Vicente, Jesús Noguero

SINOPSIS:

Federico sobrevivió a un terremoto. Tiene el poder de arrebatarle la suerte a los que le rodean: tiene el "don". Trabaja gafando a los jugadores en racha en un Casino edificado en un desierto de lava, propiedad de Sam, un superviviente de la mayor tragedia que ha vivido la humanidad; el holocausto judío. Retando a Sam, Federico es expulsado del paraíso y su don es anulado por Sam. Años más tarde Federico cree haber encontrado en Tomás, único superviviente de un accidente aéreo, el instrumento de su venganza para volver al Casino y retar al Dios del Azar con un muchacho tan poderoso como él, al que enseñará cómo controlar la fortuna. Aquí comenzará un viaje iniciático en el que ambos tendrán que cumplir un circuito de pruebas cada cual más extraña, apostando la suerte de los demás. Todo irá bien hasta que una policía obsesionada con la muerte de su familia en accidente de coche, persigue a Tomás y Federico con la intención de descubrir la realidad de esta red de juegos clandestinos, en los que la muerte y la suerte se confunden. En los que uno solo puede salir intacto...

CRÍTICA:

Hasta la llegada de este Intacto, pocas veces se había visto un thriller español de aspiraciones tan universales. Intacto es la opera prima del director tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo, de quien se puede decir que ha formado parte del cambio generacional del cine español del nuevo siglo y quien, junto a Alejandro Amenábar se ha convertido en un hito del cine de suspense español fuera de nuestras fronteras.

La carrera de Fresnadillo despegó como un cohete desde sus inicios, ya que, antes de Intacto, su cortometraje Esposados, lo catapultó directamente hasta la ceremonia de los oscars con una más que merecida candidatura. Y lo que vino después sólo fue parte de la confirmación en el firmamento cinematográfico: en 2001 ganó el Goya al mejor director novel, precisamente por esta película, en 2002 realizó, junto con Alejandro Jodorowsky el cortometraje Psicotaxi, y en 2007 dirigió la película 28 semanas después, una más que respetable secuela de 28 días después de Danny Boyle. Ha esto hay que añadir que Steven Spielberg ofreció a Fresnadillo dirigir un proyecto financiado por su productora Dreamworks. La película, de título provisional Wednesday, será un thriller ambientado en Los Ángeles, donde se desarrollará una persecución desesperada. Su nuevo proyecto será convertir el videojuego BioShock en película, que al principio estaba destinada a Gore Verbinski, director de Piratas del Caribe.

En una entrevista, Juan Carlos Fresnadillo comentaba que la vida real es la mayor fuente de inspiración para sus películas. Probablemente eso explicaría por qué el protagonista de Intacto es el único superviviente de un accidente aéreo, ya que se comenta que, cuando era pequeño, el 27 de marzo de 1977, Fresnadillo pasaba justo por delante del aeropuerto de los rodeos en el trágico momento del accidente aéreo más grave de la aviación, en el que un Boeing 747 de la compañía holandesa KLM y otro Boeing 747 de la compañía americana Pan Am colisionaban causando 583 víctimas. Quizás él también se considerara, en cierta medida, superviviente de aquella tragedia.

De lo que no nos cabe duda es de que Fresnadillo ha sobrevivido a un entorno difícil, y a menudo hostil, como es la industria cinematográfica, consiguiendo hacerse un hueco en holliwood. Ahora que todo parece serle un camino de rosas, veremos si también su estilo y su dignidad como realizador consigue sobrevivir también a los caprichos del mercado norteamericano.

IDAFE M. HERNÁNDEZ PLATA

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TOMA EL DINERO Y CORRE

2009-10-20T11:49:00.007+01:00

27 octubre de 2009 en el Salon de Actos de la Facultad de Magisterio a las 19:30

Año: 1969

Duración: 85 min.

País: Estados Unidos

Director: Woody Allen

Guion: Woody Allen y Mickey Rose

Música: Marvin Hamlisch

Fotografía: Lester Shorr

Reparto: Woody Allen, Janet Margolin, Marcel Hillaire, Jacqueline Hyde, Jan Merlin, Lonny Chapman

Virgil Starkwell siempre tuvo escarceos con la delincuencia desde su infancia hasta que termino siendo ladron pero no todo lo bueno que a el le hubiera gustado ser. Esto es lo que nos intenta ofrecer Woody Allen en la que fue su opera prima. Al mismo tiempo y desde el otro lado de la pantalla Allen empezó contando monólogos y ha terminado siendo director, guionista y actor de sus propios proyectos y siempre con un estilo muy personal de contar las cosas, la vida en si, retratar a su modo a la sociedad americana.

En esta su primera película era todavía muy pronto el juzgar su estilo ya que nos encontramos con un film que aunque no sea experimental esta a punto de serlo dentro de la filmografia de Allen, ya que el film es una sucesión de sketchs uno detrás de otro y a cada cual mejor, de hecho no ha terminado uno de reírse y ya esta empezando el siguiente. Esto cambiara radicalmente en sus siguientes films dotando a sus guiones de un humor mas mordaz, sarcástico o como quiera llamarse, y no tan cómico como en este primer film. De hecho puede decirse que es este una especie de homenaje en algunos momentos al cine de Charles Chaplin o de Buster Keaton, pero que no interrumpe en ningún momento a la acción.

También hay que decir que hay momentos en el filme que nos anticipan elementos propios del cine de Allen, como puede ser el estilo documental, mostrando a testigos cercanos del entorno de Virgil hablándonos de su vida como sus padres, amigos, etc. Esto nos anticipa en cierta manera a uno de los grandes films del director como es “Zelig”. Es un modo de ser cercano al espectador y de convertirnos en participes de la historia de este peculiar personaje. O también anticipa cuando el personaje nos habla en primera persona, como se puede ver en otros films como “Annie Hall”, “Poderosa Afrodita” o la recién estrenada “Si la cosa funciona”. Es decir, algunas de esas características ya se encuentran en esta película.

Y es que Woody Allen es uno de esos pocos directores que pueden presumir de tener mas de cuarenta años de fulgurante carrera plagada de grandes obras maestras, muchas veces seguidas (solo descansa un año para luego continuar al siguiente) otras buenas o muy buenas, pero nunca serán malas. Ya que siempre nos ofrece sus historias con ese estilo tan peculiar que le caracteriza. Espero que disfruten mucho con su visionado ya que como les he recordado esto es solo el comienzo.

JOSE MANUEL ALES GONZALEZ

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VIOLENT COP

2009-10-19T19:23:00.007+01:00

26 octubre 2009 en el Salon de Actos de la Facultad de Magisterio a las 19:30

Director: Takeshi Kitano
Año: 1989
País: Japón
Duración: 101 minutos
Intérpretes: Beat Takeshi (Takeshi Kitano), Sei Hiraizumi, Maiko Kawakami, Makoto Ashikawa, Shiro Sano, Mikiko Otonashi, Noboru Hamada

“Si tu no has hecho nada, yo tampoco he hecho nada”

Violent Cop, es el nombre con que la película fue conocida fuera de Japón. El titulo original es: Sono otoko, kyōbō ni tsuki, que en español viene a significar "Este hombre lleva la violencia consigo".

Concebida a priori como una cinta de acción sin mayores pretensiones, el destino quiso que el director, Kinji Fukasaku (“Battle Royal”, “Tora! Tora! Tora!”), enfermara, cediendo la silla de director al principal actor de la película, que era Kitano, quien modificó el guion todo lo que le permitieron para adecuarlo a su estilo. El largometraje, estrenado en 1989, supuso para Kitano el inicio de una brillante carrera como director siendo considerado actualmente el sucesor de Akira Kurosawa.

La historia gira en torno a la figura del detective Azuma (Takeshi Kitano), un policía solitario y callado que no duda en hacer uso de una violencia extrema y desmesurada para conseguir reducir a los delincuentes. La dura lucha contra una banda de narcotraficantes trae a Azuma varias desgracias que le llevaran a emprender por su cuenta y riesgo, y sin ningún sentido de la ética, una lucha encarnizada contra los responsables de tales actos.

El lenguaje cinematográfico utilizado por Kitano durante toda su obra resulta singular. Ya en su ópera prima podemos apreciar muchos de los rasgos que le definirían posteriormente: La incomunicación entre personajes (contándose con los dedos las frases que Kitano dice en la película), la aparente calma, las escenas cargadas de inmovilidad, los repentinos estallidos de violencia, la forma de utilizar inteligentemente la elipsis, la mezcla entre el lirismo y la crueldad, un humor ácido...

Takeshi Kitano es director, actor, productor, guionista, escritor (con varios libros publicados y columnista en el periódico), pintor y, desde abril de 2005, dicta una cátedra en la Escuela de Postgrado de Artes Visuales de la Universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Musica. Uno de los iconos del cine oriental contemporáneo que merece la pena descubrir.

ANTONIO HERVÁS MUÑOZ

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Futuro "Ciclo VIP"

2009-10-14T00:55:00.001+01:00

Una idea que se nos ha ocurrido para este año es la de hacer lo que de momento hemos denominado "Ciclo VIP". Consiste en premiar a los "Entusiastas del aula de cine" con l aposibilidad de crear ellos mismos su propio ciclo, es decir, a las 5 personas que han asistido más a las pelis durante el año les daremos el privilegio de elegir cada uno una pelicula y así formar un ciclo entero.

Esto se hará anotando el nombre y el correo cada vez que vayan a ver una pelicula. Las listas con las asistencias de cada uno las colgaremos en el foro del aula despues de cada ciclo. Empezando en el proximo de operas primas.

No se trata de ninguna historia elitista, simplemente de premiar la fidelidad al aula y de paso hacer un juego con recompensa para que podais ser más que espectadores (obviamente los miembros del aula no participamos en esto). Tampoco es nada obligatorio.

Esperamos que os guste la idea y que la lista se llene en cada película =)

CICLO DE OPERAS PRIMAS

2009-10-12T20:56:00.011+01:00

Ya que empezamos año nuevo, vamos también a enseñar los comienzos de varios directores:

Lunes 26:
"VIOLENT COP", de Takeshi Kitano (103min)

Martes 27:
"TOMA EL DINERO Y CORRE", de Woody Allen (85min)

Miércoles 28:
"INTACTO", de Juan Carlos Fresnadillo (108min)

Jueves 29:
“EL BOLA”, de Achero Mañas (83min)

Viernes 30:
"RESERVOIR DOGS", de Quentin Tarantino (99min)

Todas las películas serán proyectadas en el Salón de Actos de la Facultad de Magisterio a las 19:30 horas. Entrada Gratuita.

Todas las películas las pondremos en V.O con subtitulos en español.

Alta Fidelidad

2009-10-04T12:57:00.005+01:00

TITULO ORIGINAL: Hight Fidelity
DIRECTOR: Stephen Frears
PAIS: USA
AÑO: 2000
DURACION: 107min
GUIÓN: D.V Devicentis, Steve Pink, John Cusack, Scott Rosenberg.
REPARTO: John Cusack, Jack Black, Joello Carter, Iben Jhejle, Tim Robbins, Joan Cusack, Todd Louiso, Catherine Zeta-Jones.

“¿Escuchaba música pop porque estaba deprimido, o estaba deprimido porque escuchaba música pop?"

Enciendo mi estereo de alta fidelidad, saco el vinilo de su funda con sumo cuidado y lo coloco en el plato. Desplazo la aguja hasta la primera pista: “Let’s Get It On”. Se trata del LP con el mismo nombre de Marvin Gaye. Me sirvo una copa de Johnnie Walker etiqueta azul que guardaba desde hace tiempo y me ajusto los cascos de estudio. Ya estoy preparado para criticar esta película: Alta Fidelidad.

Genialmente basada en el libro con el mismo nombre del autor Nick Horby. El guión se muda de Inglaterra a Nueva York y Rob Flemming cambia su apellido por Gordon. De resto, quitando alguna escena permanece todo invariable. El propio John Cusack (Rob) participó en el guión de la película y borda el papel como si estuviera hecho para él. Aparece en casi la totalidad de las escenas y nos narra su vida directamente a los espectadores en un esfuerzo por recrear la primera persona.

A Rob le deja su novia, Laura. Este hace ver que no le afecta y para demostrarlo hace una lista con las 5 chicas que más daño le han hecho, es decir, sus 5 rupturas más dolorosas para demostrar que Laura no está entre ellas. Poco a poco se va dando cuenta de que las cosas no son exactamente como las recordamos y que Laura supone mas en su vida de lo que a priori parecía.

Parece que esta película no tiene mucho que ver en un ciclo de cine y música pero nada más lejos de la realidad pues Rob tiene una tienda de discos al borde de la quiebra que solo vende discos de vinilo y en la que trabajan dos snobs de la música con los que confecciona listas de temas para cualquier ocasión. Esta pareja antagónica formada por Jack Black (Barry) y un esplendido Todd Louiso (Dick) representan las mejores partes de la película y, a su vez, del libro. Todo esto hace que la música este presente en todo momento en la vida de Rob y sus amigos.

Una película muy humana con la que todo el mundo puede sentirse identificado y de las que dan pie a visionarlas cada cierto tiempo.

ANTONIO HERVÁS MUÑOZ

Reunion Nuevos Miembros

2009-09-16T13:42:00.003+01:00

Si te gusta el cine, independientemente de tus conocimientos, entra al aula de cine y aprenderas sobre este arte y, de paso, conoceras a otras personas con el mismo interes.

Ir a esta reunion no obliga a nada. Solo hablaremos sobre las actividades del aula, lugar de reuniones y alguna cosilla más que pueda interesar. Sobre todo darnos a conocer, aunque ya muchos nos habeis visto en las proyecciones.

Repito que no hace falta ser un cinefilo ni tener muchos conocimientos en el tema, lo importante es tener ganas de participar y hacer cosas. El año pasado no pudimos por falta de tiempo pero este año queremos empezar bien.

Nos daran un aula para poder estar comodos pero no sabremos cual es hasta el mismo dia asi que en principio hemos quedado el 25 de Septiembre en el Hall de la facultad de Magisterio (la sala antes de entrar al salon de actos donde proyectamos) a las 19:00. Esperaremos 15 o 20 minutos e iremos a dicho aula. De todas formas supongo que pondremos en la puerta algun cartel con el piso y el aula en el que estamos (tampoco estaremos mucho tiempo).

Esperamos verles allí.

Blues Brothers: Granujas a todo ritmo.

2009-08-19T02:58:00.004+01:00

Título original: Blues Brothers
Título en España: Granujas a todo ritmo
Año: 1980
Duración: 132 min.
País: Estados Unidos
Género: Comedia musical
Director: John Landis
Guión: John Landis y Dan Aykroyd
Reparto: Dan Aykroyd, John Belushi, Henry Gibson, Carrie Fisher, James Brown, Kathleen Foreman.

Tras pasar varios años en la cárcel por un robo a mano armada, Jake Blues es puesto en libertad por su buen comportamiento. Su indumentaria al salir de la prisión resulta ser la misma con la que entró: traje, corbata y sombrero negros y con gafas oscuras. En la puerta se encuentra su hermano Elwood vestido con la misma indumentaria. En este momento el orfanato de Santa Elena, lugar donde se criaron, está en peligro, necesita una gran cantidad de dinero así pues los hermanos Blues se ponen manos a la obra para salvarlo.

John Landis es el director de esta película. Nació en Chicago en 1950. Sus dos primeras obras: "The Kentucky Fried Chicken Movie" y "El monstruo de las bananas", fueron de bajo presupuesto y con "Desmadre a la Americana" consiguió el éxito que le permitió hacer películas de más alto presupuesto, como el clásico de culto "Blues Brothers", superproducción musical a la que siguió “Un hombre lobo americano en Londres” en 1981. Seguidamente haría el famoso videoclip de Michael Jackson, “Thriller”. Posteriormente, realizaría comedias, como “Espías como nosotros", "El príncipe de Zamunda", "Súper detective en Hollywood III" o "Blues Brothers 2000"

En realidad The Blues Brothers fueron creados por John Belushi como número cómico musical para el programa estadounidense Saturday Live Night, en el que Belsuhi trabajó desde 1975 hasta 1979. Con el tiempo los Blues Brothers consiguieron presupuesto suficiente para reunir una banda y grabar un disco. La vestimenta del grupo se basaba en los “rude boys” ingleses provinentes de Jamaica y en la foto de la portada de un disco de John Lee Hooker.

The Blues Brothers es un clásico de los años 80. Una película divertida y entretenida, con una banda sonora de lujo e irrepetible y con una lograda puesta en escena. El look de los protagonistas ha quedado como un icono cultural, con su traje negro, su sombrero, sus gafas, su chulería y su impasibilidad. Se trata de una reivindicación del rythm&blues y sus estrellas, homenaje al jazz y a los clásicos de las primeras series de televisión. Es una película más que recomendable con risas, ritmo y movimiento de piernas que sirve para aprender a escuchar otras cosas.

TAMARA BATALLA F.

24 Hour Party People

2009-05-26T13:01:00.004+01:00

DIRECTOR: Michael Winterbottom
AÑO: 2002
DURACIÓN: 115 min.
PAÍS: Inglaterra
GUIÓN: Frank Cottrell Boyce
FOTOGRAFÍA: Robby Müller
REPARTO: Steve Coogan, Shirley Henderson, Paddy Considine, Andy Serkis, Chris Coghill, Lennie James
PRODUCTORA: Channel Four Films/ Film Council/ Revolution Films.

"Si tienes que elegir entre la verdad y la leyenda, publica la leyenda"

Si hay directores que se arriesgan yendo de un género a otro con tal de abarcarlos todos, pero siempre con maestría, ese es sin duda Michael Winterbottom. Y en esta ocasión lo hace adentrándose en una historia real, la de Tony Wilson, un periodista y presentador de una televisión local en Manchester, que a partir de la retransmisión del primer concierto de los Sex Pistols se siente interesado por el mundo de la música y crea uno de los sellos discográficos más influyentes de la historia del rock, Factory Records. De hecho esto ocurre en plena efervescencia del Post-punk, a finales de los 70, y gracias a él se dan a conocer uno de los grupos más importantes de todos los tiempos como son Joy Division, vemos como los descubre, su desarrollo interrumpido por la muerte de Ian Curtis, la continuación del grupo con un nuevo nombre, New Order (esto se ve en la película). Después asistimos durante los 80 a la escena musical de Manchester, el llamado “Sonido Manchester”, en parte a través de La Hacienda, el famoso local abierto también por Tony Wilson, del que despegó toda esta escena musical con fiestas “rave” y que fue casi comparable al Studio 54 de Nueva York en los 70, y que fue también polémico por los asuntos de mafias y drogas que se desarrollaron allí.. También se asiste a la creación de otro grupo como son Happy Mondays, a la legendaria figura del productor Martin Hannett, personaje esencial dentro de esta escena.

Con todo esto decir que la historia de Tony Wilson es también la historia del desarrollo de uno de los períodos más esplendorosos de la historia del rock, a la vez que de la cultura juvenil contemporánea, que va desde la eclosión del punk hasta la época del “acid”. Y todo ello contado por el propio Tony Wilson (genialmente interpretado por Steve Coogan), del cual se podría decir que es el maestro de ceremonias de toda esta época y que sin él nada hubiera sido lo mismo, y de un modo casi actual, todo ello gracias a que fue rodada con cámara digital, esto hace que el film no caiga en el estancamiento y no se convierta en el típico film documental que no lleva a ningún sitio. Todo lo contrario con ello se consigue que la historia parezca que no haya acabado nunca, que ocurrió ayer mismo, lo que le da un matiz de autenticidad, que muy pocos directores han conseguido en este tipo de films.

Por ello decir que la labor de Winterbottom es muy brillante al conseguir unir frescura, humor y genialidad en una historia como ésta, en las partes de los conciertos, las grabaciones de los álbumes, la escena musical de Manchester en sí, y es que a fin de cuentas es la mejor manera de narrar esta época, ya que de otro modo hubiera sido imposible, porque hay que decir que esta época nunca morirá sino que seguirá en nuestras mentes y corazones, y éste es sin duda un gran homenaje a este momento.

JOSÉ MANUEL ALÉS GONZÁLEZ